Da Vinci Botezatorul. Ioan Botezătorul de trei ori cel mai mare (sfârșit)

Interesul pentru personalitatea și opera lui Leonardo da Vinci continuă fără încetare. De exemplu, în filmul „Viața secretă a Mona Lisei”, autorii susțin că au descoperit secretul Monei Lisei și știu cine a pozat pentru artist pentru imaginea nemuritoare, care a devenit un simbol al artei europene.
Un alt film despre Leonardo da Vinci, „Codul lui Da Vinci”, intriga sa nu are legătură cu bestsellerul scandalos cu același nume. În film, oamenii care comentează filmările sunt oarecum șocante, dar cu diplome academice, ei susțin – și pare destul de convingător – că picturile lui Da Vinci reflectă simbolismul sectei susținătorilor învățăturilor lui Ioan Botezătorul – Mandaeanii. .

În special, au vorbit despre un anumit gest prin care se poate identifica un adept al acestei învățături gnostice. Acesta este un gest de arătare - sus, jos, în lateral, de ex. neavând o direcție fixă ​​– degetul arătător întins. Un gest destul de des întâlnit în picturile lui Leonardo da Vinci. Degetul lui „Ioan Botezătorul” arată undeva în sus.

O altă poveste, „Madonna of the Rocks”, se presupune că conține un mesaj criptat că John este adevăratul profesor al Adevărului.
Există două versiuni ale picturii „Madonna of the Rocks” una, pictată conform tuturor canoanelor bisericii, se află la National Gallery din Londra. Îl înfățișează pe Isus lângă Madona (conform istoricilor de artă), care este botezată de Ioan Botezătorul stând lângă înger. Mai mult, Ioan pare mai tânăr decât Isus și ține... o cruce! Un alt detaliu - îngerul este înfățișat cu aripi întunecate, care sunt acoperite cu o pelerină stacojie strălucitoare și, în plus, cu o labă cu gheare! Potrivit criticilor de artă, această imagine non-canonică a îngerului a devenit motivul pentru care clienții au cerut ca imaginea să fie redesenată.
Al doilea tablou, „Madona din stânci”, este păstrat la Luvru. Probabil aceasta este prima versiune a tabloului. Aici îngerul arată spre Ioan (istoricii de artă insistă că Ioan Botezătorul stă lângă Madona, iar Isus stă cu îngerul). Aici Ioan este mai în vârstă decât Isus. Dar! Isus îl botează pe Ioan, și nu invers, ceea ce contrazice Evanghelia. Spre deosebire de versiunea londoneză a Madonei, nu există halouri în acest tablou.

În general, sensul filmului a fost că aproape toată opera artistică a lui Leonardo a fost menită să transmită posterității adevărul despre originile creștinismului.

Anterior, nu auzisem niciodată despre Leonardo da Vinci să fie un adept al vreunei credințe. Se știe despre conflictele sale cu biserica. În ciuda faptului că geniul său era nelimitat, el deținea cu siguranță niște cunoștințe secrete primite din exterior.
Dar revelația a fost că Leonardo da Vinci a fost clasat printre madeens (apropo, singura sectă gnostică supraviețuitoare).

Deci haideți să privim totul în ordine:

Ioan Botezătorul, 1513 -1516 Louvre.

Privește cu atenție mâna ta dreaptă. Nu este doar îndreptată în sus, ci este reprezentată și fără degetul inelar și degetul mic (ca mâna dreaptă a lui Ioan Botezătorul).

Madonna of the Yarnwinder. 1501. (Colecție privată)

1. Ce văd creștinii în această imagine?
Maica Domnului și Pruncul Iisus

2. Ce văd mandaienii în aceeași imagine?
Maica Domnului Elisabeta cu Ioan Botezatorul.

Pentru amândoi există o Madona în imagine, doar în favoarea celei de-a doua versiuni crucea alungită ținută în mâinile unui copil este un simbol Ioan Botezatorul .

Principalul postulat al mandeenilor: Adevărata misiune este Ioan Botezătorul, Isus și Magomed sunt profeți falși.

Acum uită-te la următoarele imagini:

Madona din Stânci. 1482-1486. Louvre

În dreapta, arhanghelul arată spre pruncul din stânga. Deci, care este Ioan, care este Isus?

Versiune ulterioară:

Fecioara Stâncilor. 1506-1508. Galeria Națională. Londra

Aici simbolul lui Ioan Botezătorul este cu pruncul în stânga, adică. în prima imagine arhanghelul arată spre adevăratul profet Ioan

„Madonna in the Grotto” este prima dintre creațiile cunoscute ale lui Leonardo, creată la Milano și stă la originile școlii lombarde.
Interpretarea temei religioase este diferită: în varianta Louvs, florile simbolizează în principal Patimile lui Hristos, în varianta londoneză - puritatea și supunerea Mariei.

În versiunea londoneze, pruncul Isus (dacă Iisus cu cruce) este vizibil mai în vârstă decât pruncul Ioan. Observați binecuvântarea cu două degete a bebelușului din dreapta. În teorie, acesta este gestul lui Isus, deoarece știm că gestul lui Ioan este un „degetul arătător”.

Acesta este „Salvatorul lumii” - unul dintre cele mai bune așa-numite. versiuni studențești, din care rămân propriile desene ale lui Leonardo. Mâna lui Isus este ridicată într-un gest cu două degete.

„Bacchus”, inițial „Sfântul Ioan Botezătorul”. A fost retușată în secolul al XVII-lea.

A. Vezzosi, „Leonardo”:

Madona din Grote ar urma să facă obiectul unei dispute între Leonardo și Confraternitatea Imaculatei Concepții din Milano timp de douăzeci și cinci de ani. În ciuda descoperirii de noi documente de arhivă, această imagine rămâne în mare parte un mister.
A provocat multe conflicte de la dispariția primei versiuni (acum la Luvru). Amenințările și plângerile au continuat până când s-a ajuns la un acord pentru a doua versiune (acum la Londra). După ce a acceptat comanda la 25 aprilie 1483, Leonardo s-a angajat să finalizeze pictura în puțin peste șapte luni. El a putut semna lucrarea terminată abia la 23 octombrie 1508.
Ceea ce frapează în acest tablou este sinteza temelor principale și a semnelor ermetice ale lui Leonard, misterioase și bogate în aluzii care dau naștere unei varietăți nesfârșite de interpretări simbolice și teologice: o grotă cu un pârâu de apă și flori în adâncurile pământului. , învăluită în lirism mistic și mister. Peștera stâncoasă și munții îndepărtați și interziceți întruchipează Universul geologic în spațiu și timp infinit, servesc drept scenă pentru misterul asociat unui eveniment sacru și toate gesturile rămân incomplete în încercarea de a înțelege acest moment definitoriu al istoriei umane.
Iconografia nu corespunde cu cea prevăzută în tratatul din 1483 (Madona cu Pruncul între doi îngeri și doi profeți, dar fără Sfântul Ioan), ceea ce sugerează un design eretic al lui Leonardo.

Brooșa Fecioarei (Fibula înfățișată în centrul „Madona din Grota” pariziană este absentă în versiunea londoneze.) prezintă un interes extrem pentru morfogeneza picturii: întruchipează un fel de microcosmos, un ochi de lumină refractată și umbră adâncă, ca pe o oglindă slabă. Fața Fecioarei Maria se află la intersecția mai multor diagonale, dar centrul compoziției este o broșă cu douăzeci de perle.

În „Madonna in the Grotto” de la Luvru, privirea îngerului este îndreptată dincolo de imagine, către privitor, care, însă, nu o poate surprinde. Unii consideră acest înger ambiguu - aproape un demon din cauza sulițelor de pe piciorul drept. Cele patru personaje ale versiunii londoneze, formând o compoziție geometrică, piramidală, cu linii în formă de cruce, sunt mai liber amplasate în spațiu. Fiecare element iluminat are propria sa dinamică vizuală, în special pliurile galbene ale draperiei Fecioarei, care în versiunea Luvru par pură abstractizare, capătă verosimile unei căptușeli în cea londoneză. Magnificul cadru din lemn aurit creat de Giacomo del Maiano a dispărut fără urmă, dar s-au păstrat două panouri laterale, înfățișând doar doi îngeri muzicieni în loc de cei opt muzicieni și cântăreți conveniți dinainte.

Fecioara cu Pruncul cu Sf. Anne. c.1502-1516. Louvre

este un simbol al lui Isus, pe care Ioan Botezătorul l-a numit:

" ...A doua zi Ioan îl vede pe Isus venind la el și spune: Iată Mielul lui Dumnezeu, care ridică păcatul lumii...„ (Ioan 1.29)

Este foarte semnificativ faptul că în tabloul „Fecioara și Pruncul cu Sfânta Ana” (scheme compoziționale: piramidă și triunghi) Ana o ține pe Maria în poală. Acest lucru poate fi interpretat ca însemnând că Maria este succesoarea sau „fiica spirituală” a Annei. De asemenea, este posibil ca tabloul să conțină o aluzie la vechiul obicei al adopției. A mers așa ceva. În timpul nașterii, mama surogat era scutită de povara, așezându-se în poala mamei adoptive, astfel încât nou-născutul să fie între picioarele celui de-al doilea. Astfel, nașterea simbolică i-a oferit mamei adoptive dreptul legal de a-și spune copilul drept al ei.

În această schiță, gesturile personajelor sunt destul de recunoscute. Și, cel mai important, este clar că cu degetul arătător este Anna, și nu Maria.

Amintiți-vă, bineînțeles, de semnul lui Ioan - Arătător extins al mâinii drepte... și acum uitați-vă:

1. Fragment din tabloul Madonna of the Yarnwinder. 1501.
2. Schiță pentru tabloul Fecioară cu Pruncul cu Sf. Anne. 1508.

Privește cu atenție degetul bebelușului.

Deci cine este acolo (în tabloul Fecioară cu Pruncul cu Sfânta Ana) întorcând capul mielului lui Dumnezeu, care ia asupra sa păcatul lumii?

Ioan și Isus erau rude:

„...Sfântul Prooroc Zaharia și dreapta Elisabeta, soția sa din familia Aron, sora Annei, mama Sfintei Fecioare Maria... "

Acestea. Sf. Anna este ruda lor comună

După cum am spus, complotul, când o femeie stă în poala alteia, înseamnă „mamă surogat”.

Să ne uităm din nou la tabloul „Fecioara cu Pruncul cu Sfânta Ana” din două puncte de vedere:

1. Ce văd creștinii: în poala „bunicii” Ana stă „mama” Fecioara Maria, alături de el pruncul Iisus se joacă cu capul de miel.

2. Ce văd mandaenii: în poala surorii în vârstă Elisabeta (mama lui Ioan) (sora mai mică ar fi mai potrivită ca mamă surogat - atunci titlul imaginii s-ar citi mai clar „Fecioara și Pruncul cu Sfânta Ana ”, adică Fecioară - fecioară sau nulipară) stă Sf. Anna, la picioarele căreia Ioan (notă - degetul întins al mâinii sale drepte este acoperit cu lână de oaie) și trage capul Mielului lui Dumnezeu (simbolul lui Isus) ...

„Iată Elisabeta, ruda ta, care se numește stearpă și a zămislit un fiu la bătrânețe și este deja în luna a șasea...”(Luca 1:36).

Și amintiți-vă de cea mai faimoasă pictură a lui Leonardo „Mona Lisa”, vezi:

MONA LISA = M-ad-ON-n-A E-LISA-betta (ital.)

Dacă Leonardo îl considera pe John adevărata misiune, atunci:
Mona este o formă scurtă de Madonna (Doamna Noastră),
pentru el Maica Domnului, i.e. Madonna - ELISABETH - abr. LISA

Dacă versiunea noastră este corectă și Leonardo a descris-o pe Maica Domnului a Mandaeanilor, Elisabeta, atunci „Mona Lisa”, „Madona cu Copilul cu fus” și „Madona și Pruncul și Sfânta Ana” ar trebui să aibă ceva în comun... Un simbol evaziv. Hai sa ne uitam:

De asemenea, mă întrebam ce fel de dungi au toate pe frunte care arată ca pliul unui tablou. Și apoi m-am uitat mai atent - cu siguranță era un VOAL DE DOL (vizibil clar în stânga).

Și iată de ce Elisabeta a fost înfățișată cu un văl de doliu:

„...XXIII. Între timp, Irod îl căuta pe Ioan și a trimis slujitori la Zaharia, zicând: Unde l-ai ascuns pe fiul tău? El a răspuns, zicând: Eu sunt slujitorul lui Dumnezeu, sunt în templu și nu știu. unde este fiul meu Iar slujitorii au venit și i-au spus lui Irod: „Fiul lui va fi rege al lui Israel și a trimis din nou (slujitorii) la el, zicându-mi adevărul”. că viața ta este în puterea mea martor (mucenic) al lui Dumnezeu, dacă vei vărsa sângele meu, Domnul îmi va primi sufletul, căci vei vărsa sânge nevinovat în fața templului Și înainte de zori, Zaharia a fost ucis Israel nu știa că a fost ucis... "

N Există ceva foarte interesant în pictură, care este o proprietate rusească (păstrată în Schit):

Imaginea sfântului este echipată cu accesorii tradiționale: o cruce subțire de trestie, păr lung și îmbrăcăminte de lână. Intersecția diagonalelor corpului și a brațului drept întărește motivul crucii, care abia se observă de către artist.

Gestul în sus al mâinii drepte este considerat tradițional și pentru imaginile cu Ioan Botezătorul. Cu toate acestea, acest gest, într-un anumit sens, este tradițional pentru opera lui Leonardo, poate fi găsit într-o serie de lucrări finalizate („Cina cea de Taină”, „Madona din stânci”, „Madona cu Pruncul” (1510) etc; .), precum și schițe.

Jesús en La Última Cena, de Leonardo da Vinci.jpg

Leonardo da Vinci. Cina cea de Taină (fragment)

Leonard de Vinci - Vierge aux rochers 3.jpg

Leonardo da Vinci. Madonna of the Rocks (fragment)

Leonardo - Sf. Anne cartoon-alternative.jpg

Leonardo da Vinci. Sfânta Ana cu Maria și Pruncul Hristos

Efeminația Sfântului Ioan, la granița cu efeminația, zâmbetul moale, privirea, părul creț mărturisesc degenerarea principiilor stilului clasic în opera maestrului. Leonardo da Vinci apare aici ca inițiatorul manierismului.
Deoarece modelul pentru „Ioan Botezătorul”, precum „Bacchus”, a servit cel mai probabil drept Salai, este evident că „zâmbetul perfid”, potrivit lui W. Pater, „trădează gânduri care sunt departe de a fi limitate la un gest exterior. sau decor.”

Scrieți o recenzie a articolului „Ioan Botezătorul (Leonardo da Vinci)”

Literatură

1. Whipper B. R. Renașterea italiană din secolele XIII-XVI. - M., 1977
2. Peter W. Renaștere. Eseuri despre artă și poezie. - M., 2006
3. Santi B. Leonardo da Vinci. - M., 1995

Legături

Extras care îl caracterizează pe Ioan Botezătorul (Leonardo da Vinci)

În această seară senină de august, pe 25, prințul Andrei zăcea sprijinit de braț într-un hambar spart din satul Knyazkova, la marginea locației regimentului său. Prin gaura din peretele spart, se uită la o fâșie de mesteacăn de treizeci de ani, cu ramurile inferioare tăiate, alergând de-a lungul gardului, la un teren arabil cu stive de ovăz sparte pe el și la tufișuri prin care se vedea fumul incendiilor — bucătăriile soldaţilor —.
Oricât de înghesuit și de nimeni nevoie și oricât de grea i s-ar părea viața lui acum prințului Andrei, el, la fel ca acum șapte ani la Austerlitz în ajunul bătăliei, s-a simțit agitat și iritat.
Ordinele pentru bătălia de mâine au fost date și primite de el. Nu putea face nimic altceva. Dar cele mai simple, mai clare gânduri și, prin urmare, gânduri teribile nu l-au lăsat în pace. El știa că bătălia de mâine va fi cea mai teribilă dintre toate cele la care a participat și posibilitatea morții pentru prima dată în viața lui, fără a ține cont de viața de zi cu zi, fără a lua în considerare modul în care îi va afecta pe alții, dar numai în raport cu el însuși, cu sufletul său, cu viu, aproape cu certitudine, simplu și îngrozitor, i s-a prezentat. Și din înălțimea acestei idei, tot ce-l chinuise și îl ocupase mai înainte a fost luminat dintr-o dată de o lumină albă rece, fără umbre, fără perspectivă, fără distincție de contururi. Toată viața i s-a părut ca un felinar magic, în care a privit îndelung prin sticlă și sub lumină artificială. Acum a văzut deodată, fără sticlă, în lumina strălucitoare a zilei, aceste tablouri prost pictate. „Da, da, acestea sunt imaginile false care m-au îngrijorat, încântat și chinuit”, și-a spus el, răsturnând în imaginația sa principalele imagini ale felinarului său magic al vieții, uitându-se acum la ele în această lumină albă și rece a zilei. - un gând clar despre moarte. „Iată-le, aceste figuri pictate brut, care păreau a fi ceva frumos și misterios. Slavă, binele public, dragostea pentru o femeie, patria însăși - cât de grozave mi s-au părut aceste imagini, de ce înțeles profund păreau pline! Și toate acestea sunt atât de simple, palide și aspre în lumina albă și rece a acelei dimineți pe care o simt că se ridică pentru mine.” Trei dureri majore din viața lui i-au ocupat în special atenția. Dragostea lui pentru o femeie, moartea tatălui său și invazia franceză care a capturat jumătate din Rusia. „Iubire!.. Fata asta, care mi se părea plină de puteri misterioase. Cum am iubit-o! Am făcut planuri poetice despre iubire, despre fericirea cu ea. O, băiete dragă! – spuse el cu voce tare furios. - Desigur! Am crezut într-un fel de iubire ideală, care trebuia să-mi rămână fidelă pe parcursul întregului an al absenței mele! Ca porumbelul tandru al unei fabule, ea trebuia să se ofilească despărțită de mine. Și toate acestea sunt mult mai simple... Toate acestea sunt îngrozitor de simple, dezgustătoare!

Chiar și în timpul Renașterii, desenele erau uneori considerate opere de artă în sine. Acestea nu au fost întotdeauna schițe pentru pânză. Și credem că acesta este cazul studiului mare al lui Leonardo da Vinci, numit de obicei „Madona și Pruncul Hristos, Sfânta Ana și Sfântul Ioan Botezătorul”, deoarece nu există piercing-uri de-a lungul conturului. Da, deși desenul nu este complet. Prin urmare, nu este clar în ce calitate ar trebui luată în considerare. Ar fi existat semne de perforare sau puncte marcate, astfel încât Leonardo să poată face contururile figurilor și să le transfere pe pământ pe perete sau pe panou pentru a crea lucrarea în sine. Deși, folosirea tehnicii lui Leonardo - atât de departe de a fi tradițională, pentru o pictură renascentist mai liniară ar fi mult mai problematică. Sunt necesare schițe de bază. Și construcția sa a figurii se bazează adesea pe tehnica clarobscurului. - Sfumato. - Dar aici contururile sunt atenuate și estompate, așa că ideea unei linii simple de-a lungul căreia pot fi trase perforații pare absurdă. Asta este adevărat. Leonardo era mult mai interesat de aceste tranziții treptate de la umbră la lumină și tranziția înapoi. Deci imaginile par tridimensionale și maiestuoase. Și, de asemenea, fuzionarea lor într-un singur întreg. Figurile formează un fel de piramidă stabilă. Și aceasta este una dintre trăsăturile stilului renascentist. Stabilitate, inviolabilitate, inerente eternității, imagini divine... Te rog... Ai vrut să spui ceva? Doar pentru a observa acest contrast interesant. Întrucât, pe de o parte, ni se transmite un sentiment de perfecțiune pură, conceptul de etern, infinit de spiritual. Pe de altă parte, observăm o asemenea unitate între imaginile Sfintei Ana și ale Fecioarei Maria, dintre Hristos și Ioan Botezătorul. Aceasta este o manifestare a umanității. Acesta este incredibil de uman și incredibil de valoros. Și pare să fie în contradicție cu conceptul de etern. Da. Sunt ambele. Acesta este ceea ce urmărește Leonardo, nu? Leagă umanul și divinul. Consider că acesta este criteriul realizărilor lui Leonardo în Înalta Renaștere. Sunt atât de multe momente minunate aici. Să spunem cât de încântător a fost transmisă adresa Sfintei Ana către Fecioara Maria, care stătea în poală. Există un anumit ritm în plasarea genunchilor. - Da. - Jos, sus, jos iar si iar sus. Puteți simți ritmul muzical. Mi se pare că Leonardo s-a orientat cu siguranță către sculptura clasică. Pentru că draperiile sunt realizate foarte asemănătoare cu cea a sculpturilor antice grecești și romane. Există o diferență în vârstele personajelor. Putem înțelege cum a lucrat Leonardo, mai ales dacă acordăm atenție contrastului dintre chipul Sf. Anna și mâna ei, departe de a fi completă și foarte liniară. Sfânta Ana arată în sus, dând ideea că aceasta face parte din planul divin, că Hristos și sacrificiul său de sine în viitor fac parte din planul divin pentru mântuirea umanității. Privește curba mâinii lui Hristos și gestul de binecuvântare al lui Ioan Botezătorul. Este de fapt continuat de gestul de arătare al Sfintei Ana. - Da. - Adică, aceasta este o mișcare continuă. Adică Hristos urmează literalmente gestul Sfintei Ana. Începe cu o linie de la umărul Fecioarei Maria, continuă cu Hristos și se termină cu un indicator spre cer. Mișcarea începe cu privirea Sfintei Ana îndreptată către Maria. - Dreapta. - Apoi mâna Fecioarei Maria, precum ai spus, îndoită la cot, continuată de mâna lui Hristos. Și ceea ce tocmai am descris este un exemplu minunat al unității care este atât de importantă pentru da Vinci. Imaginile se conectează, fuzionează, cu atât mai mult contemplăm imaginea. Putem începe cu Ioan Botezătorul privind în sus la Hristos, apoi privim în sus la Fecioara Maria privind în jos la fiul ei și în sus la Sfânta Ana privind în sus la Fecioara Maria. Asta este adevărat. Există un fel de călătorie trasată de privirea ei, care duce în cele din urmă către rai. Care este, desigur, sensul acestei lucrări. Subtitrări de către comunitatea Amara.org

„Ioan Botezătorul” este un tablou realizat de reprezentantul Renașterii italiene, Leonardo da Vinci. Această lucrare aparține perioadei târzii a operei artistului.

Un fundal gol, lipsit de peisaj, atât de caracteristic lucrărilor Renașterii în general (de exemplu, „Portretul unei doamne” de Nerocco di Landi) și Leonardo da Vinci în special („Mona Lisa”), concentrează complet atenția privitorului pe figura lui Ioan Botezătorul, care este învăluită de sfumato topit adus la perfecțiune.

Imaginea sfântului este echipată cu accesorii tradiționale: o cruce subțire de trestie, păr lung și îmbrăcăminte de lână. Intersecția diagonalelor corpului și a brațului drept întărește motivul crucii, care abia se observă de către artist.

Gestul în sus al mâinii drepte este considerat tradițional și pentru imaginile cu Ioan Botezătorul. Totuși, acest gest, într-un anumit sens, este tradițional pentru opera lui Leonardo, poate fi găsit într-o serie de lucrări finalizate („Cina cea de Taină”, „Madona din stânci”, „Madona cu Pruncul” (1510) etc; .), precum și schițe.

Efeminația Sfântului Ioan, la granița cu efeminația, zâmbetul moale, privirea, părul creț mărturisesc degenerarea principiilor stilului clasic în opera maestrului. Leonardo da Vinci apare aici ca inițiatorul manierismului.

Deoarece modelul pentru „Ioan Botezătorul”, precum „Bacchus”, a servit cel mai probabil drept Salai, este evident că „zâmbetul perfid”, în cuvintele lui W. Pater, „trădează gânduri care sunt departe de a fi limitate la un gest sau decor exterior.”

Leonardo pare să fi adus cu el „Ioan Botezătorul” în Franța când și-a stabilit reședința la Castelul Cloux în 1516. Cel puțin se știe că la 10 octombrie 1517 i-a arătat cardinalului de Aragon (francez) un tablou cu „tânărul Ioan Botezătorul” (împreună cu Sfânta Ana și Gioconda). Cel mai probabil, toate cele trei picturi au fost cumpărate de Francisc I în 1518, acest lucru fiind evidențiat indirect de un document despre plata unei sume mari elevului lui Leonardo „pentru mai multe tablouri vândute regelui” („pour quelques tables de paintures qu'il a baillées au Roy”). O altă dovadă indirectă a prezenței lui „Ioan” în colecția regală este „Portretul lui Francisc I ca Ioan Botezătorul” de Jean Clouet (tot în colecția Luvru), pictat în 1518-1520 și clar inspirat de pictura lui Leonardo.

Pictura a părăsit apoi colecția regală, circumstanțele vânzării sale sunt necunoscute. În anii 1620, a ajuns la Ducele de Lancourt (francez), unul dintre cei mai mari colecționari de pictură franceză ai epocii sale.
Ducele a dat tabloul regelui englez Carol I - cel mai probabil în anii 1630, poate pentru nașterea moștenitorului tronului. La scurt timp după execuția lui Carol I (1649), pictura a fost cumpărată de Everhard Jabach (francez), care l-a revândut în 1662 lui Ludovic al XIV-lea. Tabloul nu a mai părăsit niciodată colecția regală franceză și a fost moștenit odată cu ea de Luvru.

Aceasta face parte dintr-un articol Wikipedia folosit sub licența CC-BY-SA. Textul integral al articolului aici →

Am decis să comparăm două genii ale artei plastice mondiale - Andrei Rublev și Leonardo da Vinci.

Dumnezeu și natura

Comparația ar trebui să înceapă cu viziunea asupra lumii a celor doi maeștri. Doi mari artiști sunt, în primul rând, doi gânditori ale căror idei despre lume au fost întruchipate în creativitate.
Andrei Rublev este considerat unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai isihasmului din Rusia. Isihaștii practicau controlul neobosit asupra gândurilor lor, rugăciunea interioară constantă, care ar trebui să curețe mintea și inima și să-l apropie pe închinător de Dumnezeu. „Împărăția lui Dumnezeu este înlăuntrul vostru”, spune Biblia, iar scopul isihaștilor era să-L „vedă” pe Dumnezeu spiritual. „Spune-i acestui munte să se miște și, dacă crezi cu adevărat, se va mișca” - acesta a fost principiul lor.
Leonardo da Vinci este considerat un reprezentant proeminent al Renașterii Europei de Vest, un „om universal”. Negând dogmele scolasticei, neacceptarea dogmelor religioase stricte, în special, ridiculizând formidabila Savonarola, da Vinci a găsit un alt sens în viață - natura. De aceea interesele lui nu s-au limitat doar la pictură. Dacă Rublev a căutat să-L cunoască și să-L captureze pe Dumnezeu, da Vinci a atins perfecțiunea în înfățișarea naturii.

Călugăr și inginer

Din diferența de viziune asupra lumii rezultă diferența în sensul propriului loc în lume. Una dintre primele informații demne de încredere despre Andrei Rublev sunt cuvintele despre tonsura sa de călugăr, pe care pictorul de icoane le-a primit la Mănăstirea Treime-Serghie sub venerabilul Nikon din Radonezh. Adică, în primul rând, Rublev a fost călugăr - și abia apoi pictor de icoane. Dar Leonardo da Vinci însuși nu se considera un artist: în ciuda faptului că a absolvit atelierul lui Verrocchio, unde și-a depășit chiar și profesorul în pricepere, da Vinci a considerat ingineria principală profesie. Pictura a fost pentru el la fel de importantă, interesantă, dar o activitate secundară, precum hobby-urile sale pentru muzică sau arta aranjarii mesei.

Buna Vestire

„Vestirea” este una dintre primele picturi independente ale lui Leonardo da Vinci. Artista interpretează povestea biblică destul de tradițional: Fecioara Maria stă în pragul casei sale și citește Biblia montată pe un suport de marmură. La câțiva pași de ea, cu un crin în mâna stângă, îngenuncheat, stă arhanghelul înaripat Gabriel. Fecioara și îngerul tronului sunt reprezentați ca contemporani bogați ai lui da Vinci, o fată și un tânăr. Se pare că intriga de aici este mai puțin interesantă pentru autor decât posibilitățile pe care i le deschid compoziția și perspectiva. Orașul din cel de-al treilea plan al imaginii este înfățișat în mod strălucit, cu detalii uimitoare.

Nu veți găsi așa detaliu în Buna Vestire a lui Andrei Rublev. Orașul situat în spatele celor două figuri nu prezintă practic niciun interes pentru autor: aproape aceleași clădiri pot fi găsite pe alte icoane de acest tip. Cu toate acestea, impactul muncii sale este mult mai mare. Motivul pentru aceasta, în primul rând, este dinamica inerentă figurii arhanghelului (în opera lui da Vinci el este static). Arhanghelul face un pas spre Maica Domnului și, parcă în sus, se ridică spre ea. Fecioara Maria s-a închinat cu umilință și jos înaintea binecuvântatorului arhanghel. Ea pare să fie copleșită de emoții, dintre care prima este bucuria. Și cred că Duhul Sfânt coboară într-adevăr asupra ei în acel moment.

„Madonna Benois” și o copie a Maicii Domnului din Vladimir

O altă lucrare timpurie a lui Leonardo este așa-numita „Madona Benois” sau „Madona cu floare” - o interpretare a motivului clasic al Fecioarei Maria cu Pruncul. Tânăra mamă, atingându-se, ține în brațe un bebeluș bine hrănit, care cu o față serioasă se uită la o floare asemănătoare cu forma unei cruci. Proprietatea acestui tablou de către un maestru italian a fost dovedită de Bernard Berenson în 1912. Așa descrie însuși criticul de artă întâlnirea sa cu tabloul: „Într-o zi nefericită am fost invitat să examinez Madona Benois... O fantomă ciudată a unei bătrâne se joacă cu un copil: chipul lui seamănă cu o mască goală, iar un corpul și membrele umflate sunt atașate de el. Mâini jalnice, pliuri de piele prostește de vanate, culoare ca serul. Și totuși a trebuit să recunosc că această creatură teribilă îi aparține lui Leonardo da Vinci”.

La începutul secolului al XV-lea, Andrei Rublev a scris o copie a icoanei făcătoare de minuni a Maicii Domnului Vladimir. Spre deosebire de da Vinci, el nu a încercat să „reînvie” imaginile, să le facă mai reale. Pentru el a fost mai important să arate relația dintre mamă, care știe despre soarta copilului ei, și bebeluș. Ea se aplecă spre el, iar El se apasă de Ea. Se privesc unul în ochii celuilalt.

Ioan Botezatorul

Poate cel mai evident contrast dintre lucrările lui da Vinci și Rublev se află în imaginile lui Ioan Botezătorul. Figura de pe icoana din catapeteasma Catedralei Adormirea Maicii Domnului din Vladimir, privirea ei, poziția ei sunt uluitoare. Imaginea este atât restrânsă, cât și emoționantă. Ioan Botezătorul stă drept, dar cu capul plecat și tot trupul puternic aplecat. El este chibzuit, înțelept, drept și curat.

Ioan Botezătorul al lui Leonardo da Vinci se bazează pe elevul său frumos (și posibil iubitul) Salai. Nu pe un fundal auriu, precum Premergătorul lui Rublev, ci pe un fundal întunecat rembrantian, stă un tânăr efeminat, ridicând degetul în gestul tradițional pentru Ioan Botezătorul. Pe chipul lui este un zâmbet viclean. Criticul de artă englez Walter Pater a remarcat că „emite gânduri care sunt departe de a fi epuizate de gesturile sau decorurile exterioare”.

Spa-uri și „Salvatorul lumii”

Al șaselea motiv de comparație este imaginea lui Hristos însuși, pictată de ambii maeștri. „Salvatorul” lui Da Vinci este o adevărată operă de artă, o capodopera. În ea, maestrul și-a perfecționat măiestria tehnicilor de pictură și, în primul rând, tehnica sfumato, mai cunoscută dintr-o altă pictură italiană - Mona Lisa. Sfumato este un fel de ceață cu care autorul învăluie obiectele, înmoaie astfel contururile acestora. Aceasta este grosimea aerului care ne separă de eroul pânzei. Vedem chipul Mântuitorului ca fiind lipsit de focalizare. Cea mai clar ilustrată este mâna dreaptă, care este cea mai apropiată de noi, precum și o sferă transparentă uimitor de desenată în mâna stângă.

Doar un mic fragment a supraviețuit din „Spasurile” lui Andrei Rublev. Nu au mai rămas detalii - doar chipul lui Hristos. Dar (poate) cu cât este mai puternic, cu atât este mai frapant impactul acestei imagini. Nu există și nu poate fi nicio ceață aici. Se pare că Dumnezeu Însuși ne privește de pe o scândură de lemn.