Depuis combien de temps es-tu au Cirque ?
Demandez à votre enfant où il préférerait aller, par exemple au cinéma, au théâtre, à l'opéra ou au cirque...
Après tout, « la vérité parle par la bouche d’un enfant », n’est-ce pas ?
Un spectacle coloré et vibrant ne peut laisser personne indifférent à ce type d’art.
Et cet art est apparu relativement récemment, malgré le fait que les héros de ce spectacle existaient bien avant l'apparition du soi-disant cirque !
Circus vient du mot latin circus, qui signifie cercle, et ce n'est pas un hasard ! L'arène du cirque était destinée aux acrobaties équestres, qui sont essentiellement le premier tour de cirque. Le fondateur du cirque, Philip Astley, était un artiste de cirque anglais et un brillant cavalier. En 1770, à Londres, il fonde la Riding School, où sont également présentés des concours hippiques.
Après avoir clôturé la zone de représentation avec des cordes tendues, Astley en veste rouge, pantalon court en foutu cuir et bicorne à plume (sous une forme légèrement modifiée, ce costume deviendra plus tard l'uniforme des cavaliers), aux sons d'un orchestre composé de deux flûtes et d'un tambour, que Mme Astley a montré aux Londoniens sous tension sur un et deux chevaux.
En 1780, Astley construisit une arène en plein air entourée de tribunes couvertes, appelée Amphithéâtre d'Astley. Cette année, son fils John, âgé de dix ans, a fait ses débuts dans l'arène.
En plus des numéros acrobatiques équestres, il présente pour la première fois des danseurs de corde, des sauteurs, des acrobates, des jongleurs, des pantomime et des clowns de cirque.
Ces représentations sont devenues le prototype du cirque moderne.
L’équitation est restée un spectacle central du cirque pendant plus de cent ans. Et non seulement des hommes mais aussi des femmes ont participé à ce spectacle.
Cette image montre à quel point c'était difficile pour les cavalières de l'époque édouardienne. La cavalière devait non seulement effectuer tous les sauts et figures à cheval, mais aussi être attachée dans un corset serré tout en étant assise de côté sur le cheval, ce qui limitait considérablement ses mouvements, et en même temps porter un énorme chapeau à plumes (je Je ne listerai pas tous les éléments moulés sur ces chapeaux), solidement fixés à la tête par plusieurs grosses épingles rigides. Elle devait toujours rester élégante et gracieuse.
Les funambules, comme on les appelait souvent, étaient monnaie courante dans les foires de toute l'Europe du Moyen Âge au XVIIIe siècle. Cette célèbre jeune fille hollandaise porte des vêtements pour hommes de la fin du XVIIe siècle. Camisole, bas et sur-bas pantalons matelassés à doublure en coton, de forme sphérique avec fentes (Haut de Chausse), très appréciés dans l'habillement masculin au XVIe siècle. Pourquoi chez les hommes ? Oui, c'est très simple, les filles de cette époque portaient des jupes, imaginez, vous levez les yeux et que voyez-vous ?, et à cette époque-là, en principe, il n'y avait pas de sous-vêtements, probablement ce spectacle aurait-il été appelé différemment ! Eh bien, les formes des jupes à la mode ont évolué dans des directions différentes, donc cette tenue lui permettait de bouger facilement et protégeait sa pudeur. Bien que célèbre funambule du XIXe siècle, Madame Saki exécutait ses numéros en jupe.
Madame Saki se produit dans l'arène depuis l'âge de cinq ans. Elle est venue à Paris avec ses parents, comédiens et danseurs forains ambulants Jean Baptiste Lalanne et Hélène Masgomieri. Le frère du roi Louis XVI, le comte d'Artois, prend des cours de danse auprès de son père, sous le nom de Navarin le Fameux.
En 1816, elle ouvre son propre théâtre sur le boulevard du Temple à Paris. Le Théâtre Madame Saki (officiellement appelé Théâtre Acrobatique) donna des représentations jusqu'en 1830.
Madame Saki a continué à danser sur le fil jusqu'à l'âge de 75 ans.
JUSTOARD, Jean Marie Julie (1830-70). Il était un artiste de cirque français et le premier voltigeur. Justaucorps a créé le numéro "Vol de trapèze en trapèze", un autre de ses grands héritages est un vêtement qui porte son nom : (de l'anglais le justaucorps) justaucorps, c'est-à-dire le maillot de bain d'aujourd'hui. Le maillot de bain original était un maillot en jersey. Cela permettait une liberté de mouvement et ne présentait aucun risque que les vêtements s'emmêlent dans la corde.
Jean Marie Julie fait ses débuts au Cirque Napoléon à Paris en 1859. Et a gagné en popularité en Europe.
(Quelques autres costumes de justaucorps.)
Je ne peux m'empêcher de mentionner le beau garçon aux cheveux blonds bouclés et qui n'a pas le vertige, il s'agit de William Leonard Hunt, ou comme on l'appelait El Niño Farini. Il est né à Wasgate quelque part dans le Maine, aux États-Unis, dans les années 1850 et était un orphelin qui a été adopté et entraîné par le célèbre funambule Guillermo Antonio Farini.
El Niño (garçon en espagnol) en 1886, alors qu'il n'avait que 10 ans, a complètement choqué le public avec son numéro intitulé "Le Tambour Aerial" - le batteur aérien. En tenant la corde avec son cou et en la balançant, il a réussi à jouer en solo sur le tambour.
Au XVIIe siècle, on pouvait voir des animaux sauvages dans les foires et, en 1793, un homme nommé Pidcock créa un échange d'animaux à Londres.
Si vous traduisez le mot anglais clown, ce sera un montagnard, une personne mal élevée et grossière, pour la plupart des clowns, comme ils l'étaient, des pauvres et des ivrognes, d'où le nez rouge traditionnel.
(ces clowns ont plus tendance à effrayer qu'à vous faire rire !)
Clown Auguste, début du XIXe siècle
Clown
Le clown Frank Bale avec son spectacle "Monkey and Dog"
Milieu du 20e siècle
Clown « Richo », 1957-59
Et quelques autres photos et photographies de la vie du cirque.
La naissance de l'art du cirque est entourée de ténèbres - personne ne sait avec certitude s'il est venu des foires ou des églises. Et les documents montrent qu’elle a rapidement rempli les rues. Des acrobates dansent sur les frises des pierres tombales égyptiennes. La jonglerie et la marche sur corde raide en tant qu'art ancien de l'Extrême-Orient ont été documentées à la cour de Kublai Khan bien avant Marcus Polo. Des danses de taureaux décorent les murs du palais de Knossos en Crète, et dans chaque État célèbre pour sa cavalerie - ou en Mongolie - les pitreries courageuses sur le dos d'un étalon fringant étaient une source de fierté. Quant aux lions, tigres et ours, on retrouve ces prédateurs et d'autres dans les archives de la ménagerie, sur les guépards et les crocodiles chers au cœur des pharaons, dressés par les prêtres égyptiens.
La danse avec les taureaux (c'est d'eux qu'est née plus tard la célèbre corrida espagnole) avait une signification culte, comme le drame grec. Chez Dorian Hellas, les acrobates et les mimes faisaient des clowns aussi bien pendant les vacances qu'en semaine dans les rues. Le phallus était l’élément principal du costume. Sainte ou pas, la bouffonnerie sur cette question était loin d'être de la décence.
Lorsque, quelques siècles plus tard, de l’autre côté de l’Adriatique, les hommes d’État de Rome construisirent le premier véritable cirque, l’heure n’était plus aux plaisanteries.
" Panem et cirsenses ", traduit vaguement par " pain et cirques ", était une formule pour apaiser la foule romaine. Et derrière cela, il y a eu un bain de sang dans l’arène. Par exemple, l'hippodrome ovale extérieur du cirque romain a ravi 150 000 spectateurs sanguinaires avec le spectacle du carnage entre les courses de chars. Les éléphants, les ours et les chats sauvages sont morts par dizaines, parfois par centaines, en une journée. Par la suite, au Colisée, les forçats et les premiers chrétiens suivirent le même chemin. Avec la marche des légions romaines vers le nord, le cirque de la violence s’étendit à toute l’Europe. Des amphithéâtres furent construits à Vérone, Capoue et Pompéi, en Sicile et en Espagne, à Arles, Nîmes, Bordeaux et atteignirent la Grande-Bretagne - pour se transformer en carrières après le déclin de l'empire.
Bouffons et mimes
Le mot « cirque » lui-même a disparu de nombreuses langues. Le cirque en tant que spectacle de masse n’a pu retrouver un niveau similaire qu’au XXe siècle. Le cirque romain est mort, mais ses derniers se sont séparés. Au Moyen Âge, les entraîneurs et les acrobates voyageaient à travers l'Europe, l'Asie et l'Afrique, passant la nuit sur des charrettes ou sous des clôtures, divertissant les gens lors des foires de village et couronnant même des têtes quand ils le voulaient. Le roi Alfred aimait le « défilé des animaux sauvages », avec bouffons et magiciens. Guillaume le Conquérant fit venir de France un groupe de magiciens. Trente-sept éléphants Hannibal, les seuls qui ont survécu à la grande campagne de Carthage, ont donné naissance à un groupe de pachydermes dressés en Europe – une chose étonnante, car les éléphants ne se reproduisent pas en captivité.
L'archiviste du Centre national des arts du cirque, Jean Villiers, a découvert des traces du cirque dans les sculptures d'églises médiévales. Quand 13 000 personnes travaillent dur pour construire une cathédrale, dit-il, le besoin naturel de divertissement est inévitablement satisfait par des bandes entières de bouffons. Les pickpockets faisaient leur travail, tandis que d'autres escrocs s'amusaient avec des ouvertures ouvertes (de telles choses étaient appelées à la manière italienne « sauter sur un banc »). Le banc servait à la fois à surveiller la foule et à réaliser des tours de magie. Des marcheurs sur corde tiraient leurs cordes entre les flèches de la cathédrale, d'autres, qui connaissaient la mécanique, tournaient les poignées des mécanismes lors de représentations de mystères - des pièces de théâtre à contenu religieux. Beaucoup d'entre eux ont été accusés de sorcellerie et brûlés vifs, et d'autres se sont révélés plus agiles - comme, par exemple, ces esprits qui ont même appris à leurs chevaux à s'incliner devant l'image de la croix.
Les profanes médiévaux aimaient passionnément ces spectacles. Le clergé se montre moins enthousiaste, mais tolère les artistes de cirque comme des pèlerins rassemblés pour la Toussaint. Commencées dans les abbayes et les rassemblements, les foires envahirent ensuite les prairies voisines, où marchands et amuseurs dressèrent leur royaume de tentes colorées. Une fois par an, un chrétien pouvait prendre soin à la fois de son âme, de son portefeuille et de son plaisir.
La plus populaire était la Foire de la Saint-Barthélemy, qui se tenait dans un monastère de la banlieue de Londres. En 1133, un abbé nommé Reyer, qui avait été le bouffon d'Henri Ier, demanda le privilège royal d'organiser une foire de trois jours. La Foire de Saint-Barthélemy a duré 700 ans, devenant en quelque sorte une inspection annuelle du cirque.
Reyer avait la réputation d'être un faiseur de miracles. Cent ans plus tard, d'autres astuces sont devenues à la mode : une femme se tenait debout sur la pointe de deux épées, une autre marchait sur des échasses, portant de l'eau dans une cruche sur sa couronne et un enfant dans ses bras.
La foire de Bartolomeo durait jusqu'à deux semaines, puis jusqu'à six. Sous Henri VIII, les motivations religieuses furent oubliées. Des rangées de tentes formaient des rues, elles étaient pavées et enfin clôturées. En 1614, le dramaturge Ben Jonson a décrit la splendeur de ces tentes - avec des hochets, des sifflets, des hochets, des cornemuses, des marionnettes, des cages à rats, des chevaux de bois, des chiens dansants, des aigles jouets, des loups voraces, des taureaux et des lièvres battant des tambours.
Cinquante ans plus tard, la plus grande forme de divertissement était la « danse sur corde ». Le funambulisme moderne est un jouet d'enfant par rapport à l'artisanat du XVIIe siècle : des chevaux et des éléphants marchaient le long de la corde raide, des Italiens sautaient sur la corde raide, tenant un canard sur la tête, poussant une charrette où étaient assis deux enfants et un chien, et même en chantant une canzone.
Chaque foire était célèbre pour quelque chose qui lui était propre : certaines présentaient des blagues, d'autres montraient des poupées. La Foire Bartolomeo est devenue le siège des talents itinérants qui ont erré à l'étranger pendant un an. C'était aussi une base de ménageries itinérantes, un objet d'amour constant pour les Britanniques, grands amis des animaux.
DÉFILÉS ET CLOWNS
Le défilé de cirque - ou son prototype - a été restauré et a prospéré dans l'Italie de la Renaissance. Les traditions du triomphe romain antique ont été rappelées en 1500 par Cesare Borgia, et quelques années plus tard par la guilde des marchands florentins. Des flottilles magistralement reproduites, transportant des personnages allégoriques ou comiques, naviguaient majestueusement dans les rues de Florence et de Milan. Ils étaient remplis de machines fantastiques, de sphères tournantes, de bateaux et de balles, où étaient assis des chérubins à la voix douce. Pour l'une de ces vacances, Léonard de Vinci a fabriqué un lion mécanique qui marchait sur deux pattes et ouvrait sa gueule pleine de lys. A Sienne, douze ballerines ont sauté du ventre d'un grand loup doré.
Un autre cadeau de l’Italie à l’art du cirque est la figure du clown. Des dizaines de types de bandes dessinées se sont produits dans des théâtres de rue bruyants. La paire classique de clowns - deux serviteurs - fait rire le public aujourd'hui dans presque tous les cirques du monde. Arlequin - ou le malin coquin - est un personnage véritablement ancien, issu des premières idées sur le diable et de sa stupide victime, peu à peu transformé en un Pierrot fou mélancolique en large robe blanche, au visage blanchi, Pierrot, qui est un incorrigible romantique.
SANS ARENA - PLEIN AIR
Cela a continué jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, jusqu'à ce que Londres en finisse. La création du cirque dans sa forme moderne est unanimement attribuée à Philip Astley, grand amateur de chevaux, fils d'ébéniste. Un beau jour, Astley reçut une récompense pour ses services de la part de la reine française Marie-Antoinette : une médaille parsemée de diamants. Après sa mort, il laisse à ses descendants deux magnifiques amphithéâtres, à Londres et à Paris. Astley leur a également légué une remarquable exposition de chevaux, d'acrobates, de gymnastes et de bouffons dans une arène de 42 pieds - ce qui est toujours la norme.
Cependant, le talent d'Astley s'est épanoui sur un terrain boueux près du pont de Westminster à Londres. Il avait alors deux chevaux, deux joueurs de flûte et une femme qui battait un tambourin et jetait un chapeau. En seulement deux ans, il a recouvert sa scène d'un toit et a appelé cette structure « Astley's British Riding School ».
Pendant 150 ans, l'équitation a été la clé du développement du cirque européen. Cela a tout absorbé. Pour Astley et ses disciples, le cheval était ce qu'est la moto pour les motards modernes : sur son dos, ils rêvaient de quitter la terre et d'atteindre les cieux.
Le paradoxe de toutes les révolutions – dans le cirque ou ailleurs – est que les idées avancées deviennent vite obsolètes. Tout nouveau cirque doit réinventer la roue. Les Américains ont inventé le cirque à trois pistes, l'ont soumis aux canons du grand art et l'ont déclaré spectacle mondial grandiose. Hollywood y a contribué, et désormais le cirque américain est devenu synonyme de kitsch monumental. Dans d'autres pays, il existait une échelle de valeurs différente - ici, on cultivait un haut savoir-faire individuel, qui est l'exploit du cirque de la vieille école - du célèbre cirque de Moscou aux Kneisives en Suisse ou à la famille de cirque française Grüss.
En règle générale, un cirque est associé à une tente ronde caractéristique, dans laquelle sont présentés des spectacles de divertissement colorés, comprenant des éléments de l'art du cirque - par exemple, des funambules et des numéros acrobatiques, de la jonglerie, de la danse, des spectacles de clowns ou d'animaux dressés. Cependant, le cirque n’a pas toujours été tel qu’il est aujourd’hui et son histoire remonte à l’Antiquité. Dans la Chine ancienne, l'art du cirque était représenté par les performances d'acrobates qui maintenaient l'équilibre tout en exécutant des exercices complexes : dans le cirque chinois, il n'y avait aucun numéro impliquant des animaux. À leur tour, les cirques romains antiques - des structures monumentales pouvant accueillir plusieurs milliers de spectateurs - étaient principalement des lieux de concours de calèches. Plus tard, après l’invention du chapiteau pliant, des troupes de cirque ambulantes sont apparues. De nos jours, dans le cirque, en plus des numéros classiques, vous pouvez également voir une variété d'effets spéciaux - non seulement des tours pyrotechniques connus depuis des siècles, mais aussi des tours contrôlés par ordinateur.
Cirque Maxime.
À Rome, le cirque était une structure ouverte avec une arène entourée de tribunes à plusieurs niveaux. Les spectateurs ont pu voir des acrobaties passionnantes, des danses, des batailles, des promenades à cheval, en particulier des courses de chars. Le mot « cirque » (du latin cirque - rond) est apparu parce que les bâtiments étaient construits selon une forme proche d'un cercle afin qu'on puisse y placer un tapis roulant. De tels spectacles étaient très populaires dans l'Antiquité : le plus grand cirque, le Circus Maximus romain, accueillait 250 000 spectateurs, soit plusieurs fois plus que le Colisée.
Chapiteaux de cirque.
Le cirque sous sa forme familière n'est apparu qu'au XVIIIe siècle. Le premier cirque stationnaire, où se déroulaient régulièrement des spectacles d'artistes et d'animaux dressés, a été construit en 1772 par l'Anglais F. Astley en Grande-Bretagne. Peu de temps après la construction d'une tente pliante en forme de cône ou d'ellipse, appelée chapiteau, la tradition du cirque ambulant a commencé à se développer. Et le mot français tente a commencé à être utilisé pour nommer le cirque ambulant lui-même, qui voyageait avec des spectacles de ville en ville.
La magie du corps.
L’art du cirque est bien plus ancien que les spectacles romains qui attiraient des milliers de spectateurs. Pour la première fois (3500 avant JC), il est apparu en Chine. Les artistes de cirque chinois ont principalement présenté des numéros d'équilibriste, des performances acrobatiques et gymnastiques, ainsi que de la jonglerie. Ce sont ces chiffres qui font la renommée des Chinois à ce jour. Le cirque chinois est un spectacle dans lequel les artistes font preuve d'une incroyable souplesse corporelle. Cependant, dans le cirque chinois, il n'y a pas d'animaux dressés.
Défilés de cirque.
L'arrivée du cirque était un événement important et attendu. Pour annoncer leur arrivée, les artistes de cirque organisaient souvent des défilés, mettant en vedette des animaux aux couleurs vives, des athlètes puissants tirant des charrettes chargées, des acrobates sur échasses et des cracheurs de feu. Le cortège du défilé était clôturé par les fourgons caractéristiques du cirque dans lesquels voyageaient les artistes itinérants.
Artistes itinérants.
En Europe, l'art du cirque a prospéré au Moyen Âge, avec l'apparition des artistes et artistes de cirque ambulants. Leurs représentations avaient lieu dans de grandes arènes, sous des tentes ou simplement dans les rues de la ville lors de foires et de festivals folkloriques. Le public a été particulièrement ravi de voir les funambules exécuter des figures dangereuses tout en maintenant leur équilibre sur une corde tendue directement au-dessus de la rue entre les toits des maisons. Les troupes itinérantes comprenaient également des jongleurs, des cracheurs de feu, des mimes et des comédiens.
Des clowns.
Le cirque moderne est avant tout un divertissement, la performance des clowns en est donc un élément obligatoire. Les favoris des enfants - des acteurs peints de couleurs vives, portant d'énormes chaussures avec de faux nez rouges, sont conçus pour faire rire le public. Ce n'est pas facile et nécessite souvent une variété de talents : comédien, musique et gymnastique. Les représentants les plus populaires de ce groupe d'artistes de cirque sont les acrobates et les mimes - « rouges » et « blancs », dont les images sont dérivées de personnages de comédies traditionnelles - Arlequin et Pierrot.
Travail dangereux.
Les performances équilibristes et acrobatiques nécessitent une habileté extraordinaire, qui ne vient que le résultat de nombreuses années d'entraînement, comme par exemple les tours de trapèze acrobatiques sous chapiteau de cirque, inventés en France au milieu du XIXe siècle. Cela nécessite un sens précis du timing, de la dextérité, de la force et de la flexibilité du corps. Des numéros non moins difficiles conduisent un monocycle, ce qui nécessite un sens de l'équilibre exceptionnel, ainsi que le lancement de couteaux sur une cible. Tout mouvement mal exécuté comporte un risque énorme et peut menacer la vie de l’artiste.
Animaux dressés.
Dans la plupart des cirques du monde, les spectacles d’animaux dressés sont depuis longtemps devenus des numéros classiques. Le programme peut inclure des spectacles de chiens faisant du vélo, des phoques jonglant avec des balles et des promenades à cheval. Les numéros impliquant des animaux dangereux, par exemple les ours, les lions, les tigres et les éléphants, sont particulièrement populaires. La vue d'un dresseur mettant sa tête dans la gueule d'un lion est à couper le souffle, mais la vue d'énormes éléphants debout sur deux pattes comme de petits chiens peut être tout aussi passionnante.
Sais-tu cela:
- Autrefois, les spectateurs étaient très attirés par les performances des cracheurs de feu.
- Sous l'immense chapiteau du cirque se trouvent des sièges pour les spectateurs et un orchestre, ainsi qu'une arène pour les artistes.
- En plus du cirque régulier, il existe également le « Cirque sur l'eau » et le « Cirque sur glace », dans lesquels des artistes de cirque exécutent des tours dans l'eau et sur des patins à glace.
- Les voitures que les artistes de cirque utilisent pour se déplacer de ville en ville sont généralement couvertes de publicités colorées.
- L'un des clowns les plus célèbres était Grok (1882-1959). Il débute sa carrière en se produisant dans des cirques et des cabarets avec son père. Grok s'est produit dans le monde entier et a joué le rôle d'un clown triste combattant des objets inanimés maléfiques, a joué dans plusieurs films et a écrit plusieurs livres autobiographiques.
- Beaucoup de gens pensent que montrer des animaux dressés est cruel. Pour que les animaux – comme les lions – deviennent obéissants, en sécurité et suivent les ordres humains, ils doivent être dressés pendant des années en utilisant les méthodes les plus impitoyables. Les animaux sont souvent gardés dans des conditions inappropriées, comme des cages trop petites, où ils ne peuvent pas bouger et jouer librement. C'est pourquoi certains cirques modernes reviennent aux formes de divertissement chinoises - sans spectacles d'animaux, uniquement avec des numéros fantastiques de personnes superbement entraînées.
Le cirque est l’une des formes d’art préférées non seulement des enfants mais aussi des adultes. Les spectacles de cirque comprennent des acrobaties, de l'équitation, des numéros d'équilibriste, du dressage d'animaux, de la jonglerie, de l'illusion et du clown. L'histoire du cirque remonte à plusieurs milliers d'années. Dans l’Égypte ancienne et la Grèce antique, il y avait des magiciens, des acrobates et des dresseurs d’animaux. Mais le tout premier cirque est apparu dans la Rome antique et s’appelait Circus Maximus (« grand cirque »).
C'était un immense hippodrome où se déroulaient des courses de chars. Sous Auguste, le cirque reçut sa forme architecturale permanente : deux étages de sièges pour les spectateurs et des arcades extérieures où se trouvaient les tavernes et les magasins. Sous Trajan, le nombre de places pour les spectateurs fut augmenté.
Au fil du temps, le cirque s’est progressivement développé. Les spectacles de cirque étaient très populaires dans l’Europe médiévale. Pas une seule célébration de masse n'était complète sans les performances des funambules, des jongleurs et des acrobates. Au XVIe siècle, les premiers centres équestres commencent à apparaître, formant des cavaliers et des entraîneurs de chevaux. Sur la base de ces écoles, des cirques ont commencé à être créés dans diverses villes européennes, bien qu'ils soient appelés amphithéâtres.
Démonstration d'équitation à Londres
A la fin du XVIIe siècle, les démonstrations d'équitation organisées par Philip Astley (Angleterre) à Lambert, Londres, deviennent le prototype du premier cirque. En 1772, le premier cirque stationnaire fut ouvert à Londres, appelé Astley's Amphitheatre. En 1777, Astley engagea un homme fort et, en 1780, deux clowns et plusieurs acrobates.
Le premier cirque d'Europe continentale a été fondé en 1780 par Juan Porte (Espagne) à Vienne, en Autriche, le premier en Amérique était le Ricketts Circus de Philadelphie, fondé en 1792.
Comment le cirque est devenu un cirque
En 1807, les frères L. et E. Franconni ouvrent le premier bâtiment portant l'enseigne « Cirque » à Paris. En Russie, un cirque stationnaire apparaît en 1873 à Penza ; ses fondateurs sont les frères Nikitine.
Depuis lors, les bâtiments où se produisaient les entraîneurs et les cavaliers ont commencé à être appelés cirques. D'autres artistes de cirque ont continué à se produire sur les places.
À partir du milieu du XIXe siècle, des cirques fixes dotés d'un auvent et d'une arène ronde ont commencé à émerger en Europe, puis en Russie. La présence de lampes dans le cirque permettait d'organiser des représentations plus tard, ce qui augmentait le nombre de spectateurs. Au XXe siècle, le cirque acquiert une renommée mondiale.
Cirque Bertram Mills
Le premier à être diffusé à la télévision fut le cirque Bertram Mills, diffusé depuis l'Olympia de Londres en 1938.
Le cirque moderne est une salle ronde avec une arène à l'intérieur, autour de laquelle se trouvent des sièges pour les spectateurs. Il existe également des cirques ambulants et pliables, on les appelle « tentes ». Malgré le fait que le cirque soit né dans l'Antiquité, il ne perd toujours pas sa popularité aujourd'hui, car le langage du cirque est compréhensible sans traduction dans tous les pays.
À propos, le plus grand cirque du monde est situé à Moscou, sur l'avenue Vernadsky.
Matériel de la Uncyclopedia
Le mot « cirque » vient du mot latin circus, qui signifie « cercle ». Les cirques sont des bâtiments dotés d'une arène ronde de treize mètres, d'un dôme où est suspendu l'équipement des acrobates et des acrobates, et d'un amphithéâtre de sièges pour les spectateurs. Par ailleurs, il existe un autre type de chapiteau de cirque - mobile, démontable -, avec un chapiteau en bâche et des structures préfabriquées. Les tentes se montent et se démontent très rapidement. Aux États-Unis d'Amérique, il existe des cirques itinérants à trois pistes, où les artistes se produisent dans trois arènes à la fois.
Le premier cirque au monde a été fondé à Londres en 1780 par l'Anglais F. Astley. Dans l'arène en plein air, les représentations commençaient chaque jour, si le temps le permet, à cinq heures du soir. En plus des numéros acrobatiques équestres, des danseurs de corde, des acrobates, des sauteurs et des jongleurs sont apparus pour la première fois au programme. Mais cette entreprise spectaculaire s’appelait alors un amphithéâtre. En 1807, les frères L. et E. Franconi construisent à Paris un immeuble sur le fronton duquel apparaît le mot « cirque ».
Mais il y a aussi un sens plus large du mot « cirque ». Il définit une forme d’art devenue aussi fermement ancrée dans nos vies que le théâtre, la musique et le cinéma. L'art du cirque est basé sur un exercice spécifique - un tour - une action difficile à réaliser et émotionnellement impressionnante, lorsque, par exemple, des excentriques musicaux apparaissent bras dessus bras dessous avec des ours, un jongleur envoie onze anneaux vers le haut et un gymnaste fait un triple retourner dans les airs. De la combinaison d'astuces, d'émotivité, de talent artistique, naît une image artistique. Chaque artiste a sa propre image. Il s'agit d'un clown excentrique naïf et enfantin, d'un dompteur intrépide et de musiciens drôles et malheureux qui, dans la finale, se transforment instantanément en personnes les plus charmantes. « Au cirque, écrit Yu. V. Nikulin, il faut toujours une révélation, une découverte. Si le cirque ne répond pas aux exigences croissantes du public, celui-ci n’en aura plus besoin.»
Les origines du cirque se trouvent dans les activités professionnelles, rituelles et militaires des gens. Nous trouvons les premières mentions des lointains prédécesseurs des maîtres de piste d'aujourd'hui dans des papyrus anciens, des manuscrits et des manuscrits. Par exemple, le papyrus égyptien Westcar parle du magicien et dresseur Djedi, qui, à l’époque du pharaon Khéops, aurait su « remettre en place une tête coupée et faire repousser un oiseau » et « avoir forcé un lion à le suivre ». sans entraves. » Dans les documents d’archives, vous trouverez des informations intéressantes sur l’art du cirque de la Grèce antique, de la Rome antique, de l’Inde, de la Chine et du Japon. D'eux nous apprenons que dans les trois derniers pays, les genres favoris étaient l'acrobatie, l'équilibriste et la jonglerie, qui se distinguaient par leur originalité de plasticité et une saveur nationale prononcée. Les tours étaient une partie indispensable des performances.
Le cirque russe a aussi un passé intéressant. Lors des festivals et foires folkloriques, on pouvait souvent voir des spectacles d'artistes itinérants - hommes forts, acrobates, funambules, dresseurs d'animaux, avaleurs d'épées et magiciens. En 1619, Grigori Ivanov de Riazan vint à la cour du tsar Mikhaïl Fedorovitch avec son lion apprivoisé. Au XVIIIe siècle Des artistes invités étrangers se sont produits à Moscou et à Saint-Pétersbourg, donnant des spectacles dans des salons laïques ainsi que dans des salles construites à la hâte. Dans le 19ème siècle Les premiers locaux permanents en pierre ont été construits à Saint-Pétersbourg et à Moscou. En 1880, sur le boulevard Tsvetnoy à Moscou, le bureau du marchand Danilov a construit un bâtiment de cirque pour le célèbre cavalier et entraîneur Albert Salamonsky. (Les artistes russes, afin d'acquérir une entreprise et une reconnaissance, ont été contraints de changer leurs noms et prénoms à l'étranger.)
Le premier cirque stationnaire russe a été créé par les frères Nikitine, dont les origines remontent aux serfs. Akim, Piotr et Dmitri Nikitine se sont promenés dans les cours de Saratov avec un orgue de Barbarie et un paravent en persil. En 1873, ils achetèrent leur propre tente, comme ils l'appelaient alors, et le 25 décembre l'installèrent à Penza sur la glace de la rivière Sura, déneigée. En 1876, ils ouvrirent un cirque à Saratov. En 1870-1880 Les cirques en bois et en pierre des frères Nikitin ont grandi à Ivanovo, Kiev, Astrakhan, Bakou, Kazan, Simbirsk et dans d'autres villes. C’est ainsi que furent posées les bases du commerce du cirque en Russie.
Les célèbres clowns et entraîneurs satiriques Anatoly et Vladimir Durov se sont produits aux Nikitines. Le merveilleux clown et acrobate Vitaly Lazarenko a travaillé ici. En 1914, près du bâtiment du cirque Nikitine à Moscou, sur Sadovo-Triumfalnaya, il réalise son record de saut par-dessus trois éléphants indiens. Les Nikitins ont débuté avec le multiple champion du monde de lutte française, l'homme fort inégalé Ivan Poddubny et son élève, également champion du monde Ivan Zaikin. Dans l'arène, Zaikin tenait une plate-forme sur laquelle grimpaient jusqu'à 30 personnes. Des poteaux télégraphiques étaient brisés sur ses épaules. Les magistraux jongleurs Ksenia et Mikhail Pashchenko ont démontré leurs compétences. Ainsi, Mikhail, tenant une lampe à pétrole allumée sur son front, a jonglé avec quatre chandeliers. Et Ksenia, tenant un plateau avec un samovar bouillant sur une canne posée sur son front, équilibrait d'une main un plateau avec des verres sur la même canne, et de l'autre faisait tourner le bassin sur un bâton.
Les noms des artistes russes brillaient dans diverses arènes - dans les cirques provinciaux de P. S. Krutikov, E. A. Strepetov et d'autres. L'acrobate I. E. Sosin, invité à Paris en 1888 pour le premier Concours international d'acrobatie, fut le premier au monde à y exécuter un double saut périlleux au sol. Il a reçu une médaille d'or et un diplôme de premier degré. Les vers des clowns musicaux Bim-Bom, qui s'accompagnaient de poêles à frire, de balais, de cloches et d'autres instruments excentriques, ont été enregistrés sur des disques de gramophone. Ils furent les premiers artistes de cirque à participer à des concerts aux côtés d'artistes d'opéra et de théâtre. I.K. Podrezov, connu sous le nom de Yana Poldi, en équilibre sur un vélo debout sur deux chaises, exécutait des pirouettes sur le guidon et exécutait diverses figures acrobatiques sur un monocycle.
La Révolution d'Octobre marque un tournant majeur dans la nature et l'organisation de l'activité créatrice des maîtres d'arène.
Le 26 août 1919, V.I. Lénine signe le décret du Conseil des commissaires du peuple « sur l'unification du secteur théâtral » ; Elle accorde une attention particulière aux cirques. Le décret considère « les cirques comme des entreprises, d'une part, rentables, d'autre part, démocratiques en termes de public qui les visite et ayant surtout besoin d'être purifiées des éléments malsains et d'élever artistiquement leurs programmes... ». Les cirques ont été nationalisés et transférés au Commissariat du Peuple à l'Éducation.
Dans son rapport à la Maison du cirque de Moscou, le commissaire du peuple à l'éducation A.V. Lunacharsky a déclaré : « Préservons les traditions de l'artisanat du cirque, nous viendrons en aide aux ouvriers du cirque, aux personnes très dévouées à leur travail, qui travaillent dur sur elles-mêmes. Nettoyons leur art de la saleté, enlevons-en peu à peu toutes sortes de trucs insipides et laissons au cirque ses grandes tâches : faire preuve de force, de dextérité, de courage, susciter le rire et l'admiration par un spectacle brillant, éclatant et exagéré.
Manege a appris à parler d'une nouvelle manière. En 1921, au cirque du boulevard Tsvetnoï, la suite plastique « Samson le Victorieux » est mise en scène par le sculpteur S. T. Konenkov. Les lutteurs sur le piédestal rotatif se sont figés dans des compositions expressives et, dans la finale, Samson, invaincu, a brisé les chaînes qui le liaient. En 1930, la pantomime héroïque-révolutionnaire de V. V. Maïakovski « Moscou brûle » y fut mise en scène. Le cirque de Kiev a créé la pantomime « Rebel Karmelyuk ».
L'innovation est devenue une caractéristique intégrante de l'art du cirque soviétique. Le fait de faire sauter des acrobates avec une perche est souvent appelé à l'étranger le « bâton russe », comme pour souligner une fois de plus que le brevet de sa découverte appartient à notre cirque. En 1958, à Omsk, une telle voûte a été démontrée pour la première fois par Boris, Valentin Isaev et Irina Shestua. Irina a exécuté un certain nombre de figures difficiles, en les complétant par un saut périlleux sur une jambe. Désormais, des doubles et même des triples sauts périlleux sont effectués à partir de perches similaires (et souvent de perches). Ils ont été élevés pour le saut aérien. Ils ont commencé à réaliser des sauts sur des échasses. Et même les entraîneurs les ont utilisés dans leurs performances.
Vladislav Zolkin et Svetlana Mikityuk ont amené des ours des Antipodes dans l'arène, qui ont fait tourner une hachette Hutsul, un cigare, un tonneau avec leurs pattes, ont lancé des balles avec des entraîneurs et ont lancé divers genoux amusants.
Anatoly Kalinin et ses camarades ont sorti le numéro « Acrobates on Skateboards » (les skateboards sont des planches sur roues). Les artistes volent dans les airs depuis un tremplin, sautent les uns par-dessus les autres, effectuent des retournements déroutants et retombent sur leurs agiles « plates-formes ». Les acrobates glissent sur des planches à roulettes, se tiennent sur la tête, sautent à travers et par-dessus les anneaux et font des sauts périlleux arabes latéraux dans les airs.
Le vol aérien, présenté au cirque par le Français Justaucorps au siècle dernier, a également subi des modifications. Le justaucorps volait de trapèze en trapèze avec des sauts aériens. Ensuite, les artistes ont commencé à se diriger l'un vers l'autre depuis deux ponts. Un receveur est apparu sous le dôme qui, en captant et en redirigeant les pilotes, a donné une nouvelle dynamique au spectacle. En 1919, le Mexicain A. Codona réalise le premier triple saut périlleux en vol. Le directeur-enseignant soviétique Yu. G. Mandych, créant son vol "Galaxy", a élevé une balançoire aérienne - en pente - au-dessus du filet de sécurité. Et les gymnastes, menés par Alexander Herts, ont installé des lopings des deux côtés, remontant un pont avec un receveur pour ne pas couper la distance. De saut en saut - 20 m Dans le final, les artistes volent, comme on dit, sans aucun atterrissage - d'un bout à l'autre du cirque.
De nombreux athlètes deviennent d’excellents artistes de cirque. Le célèbre dompteur de prédateurs, pionnier de l'entraînement mixte Nikolai Gladilshchikov était le champion absolu de la RSFSR en lutte classique. Grigori Novak, qui a travaillé dans l'arène avec le numéro « Poème athlétique », a été le premier des athlètes soviétiques à remporter le titre de champion du monde d'haltérophilie et au cours de ses performances sur la grande plate-forme, il a amélioré plus de 100 records du monde. Le magnifique cavalier Irbek Kantemirov a été cinq fois champion national des compétitions équestres. Ces dernières années, des centaines de maîtres et candidats au master de sport sont venus dans l'arène.
Des attractions mémorables ont été créées dans diverses arènes - des spectacles de cirque colorés, pleins d'astuces et d'inventions inattendues. L’attraction « Prométhée » de A. A. Voljansky a reçu le Prix d’État. Les Volzhansky étaient surnommés les funambules vedettes. À l’aide de fins câbles, ils montent tout en haut du cirque, à la hauteur d’un immeuble à plusieurs étages, et exécutent leurs acrobaties étonnantes.
P. N. Mayatsky a mis en scène l'attraction « Bal du Courage ». À l’intérieur d’un énorme ballon grillagé suspendu sous le dôme du cirque, les motocyclistes se précipitaient rapidement, effectuant des zigzags et des boucles. Puis l'hémisphère inférieur a coulé, et dans l'hémisphère supérieur, comme s'il était laissé sans fond, le motocycliste a continué à tourner à une hauteur vertigineuse.
Les journaux de nombreux pays du monde ont écrit sur l'attraction d'E. T. Kyo : « Kyo - un mystère du 20e siècle » (Japon). « Si vous voulez voir que les miracles existent, allez au Kio tour » (Danemark). Le World Magic Club de Londres a inscrit son nom en premier sur le tableau d'honneur rouge. La Loge Internationale des Artistes de Variétés et de Cirque de Copenhague lui a décerné sa médaille d'or.
En 1959, à Londres, E. T. Keogh découvre un catalogue de tous les tours de magie du monde. Il a compilé et expliqué 6 000 astuces. Sous un seul dessin, au lieu d'une explication, il y avait une légende : "Personne n'a jamais fait ce tour et ne le fera jamais." Un gymnaste a grimpé sur une corde qui semblait soudainement s'élever du sol et se figer dans les airs, comme un poteau. Trois ans plus tard, E. T. Keogh a mis en scène ce tour. Aujourd'hui, la dynastie du cirque Kio est poursuivie par ses fils - I. E. et E. E. Kio.
Les dompteurs ont montré des attraits intéressants pour les animaux dressés. Près de 100 espèces d'animaux et d'oiseaux ont été amenées dans l'arène par des représentants de la célèbre dynastie Durov : Yu. V. et V. G. Durov ont travaillé avec des poneys et des chameaux, des zèbres et des éléphants, des chiens et des singes, des pélicans et des pigeons, des guépards et des lions de mer. I. N. Bugrimova, le premier dresseur de prédateurs en URSS, s'est révélée être une remarquable maîtrise de l'arène. Ses lions se balançaient au-dessus de la cage sur des balançoires, grimpaient sur des cordes inclinées, s'étalaient sur un tapis et s'alignaient en pyramides. "Bear Circus" a été créé par V.I. Filatov. Les ours dans l’arène jonglaient, faisaient des exercices d’équilibre, faisaient du vélo et de la moto, boxaient et faisaient du roller.
Il existe de nombreux noms dans le cirque soviétique qui lui ont valu une renommée mondiale. Ce sont les funambules légers et gracieux des sœurs Koch, qui ont fait des miracles d'équilibre dans leur attraction « Sémaphore géant » sur une ellipse métallique en rotation sous le dôme du cirque. Les jongleurs courageux et flexibles Alexander et Violetta Kiss, qui ont introduit des éléments d'équilibre et d'acrobatie dans la jonglerie. Et bien sûr, de merveilleux clowns, appréciés du public dans de nombreux pays du monde. L'unique maître du clown M. N. Rumyantsev est connu de tous sous le nom de Pencil. Le pensif Leonid Engibarov, qui a présenté ses scènes mimiques sur les joies et les peines de l'homme dans l'arène. Yuri Nikulin et Mikhail Shuidin, qui ont joué des scènes de genre avec des performances incroyablement drôles. Oleg Popov, émotif et brillant, surnommé le Sunny Clown.
Le cirque soviétique est devenu véritablement multinational. Les artistes du Daghestan « Tsovkra » dansent la lezginka sur une corde, font des sauts périlleux d'épaule en épaule, s'envolent d'une planche à lancer, en alignant trois les uns sur les autres. L'équipe ukrainienne est fière de l'attraction «Lions et Tigres» de Vladimir et Lyudmila Shevchenko. L'Ouzbékistan tout entier connaît la cavalière et désormais dresseuse de chiens Lola Khodzhaeva. Beaucoup de gens connaissent les cavaliers tuvans de l’attraction « L’Écho de l’Asie » de Davlet Khojabaev, les gymnastes d’Azerbaïdjan, les Nazirov, les jongleurs et équilibristes touvans d’Oskal-Ool, ainsi que les équipes nationales entières des républiques fédérées et autonomes.
Réalisateurs, artistes, compositeurs et chorégraphes participent à la création d'attractions colorées. Nous pouvons parler du style établi de la mise en scène du cirque soviétique. Il a commencé à être développé par l'artiste et réalisateur exceptionnel V. Truzzi, qui, dans les premières années post-révolutionnaires, a mis en scène les pantomimes "Le Pirate Noir" et "Makhnovshchina", dans lesquelles plus de 100 personnes ont participé à des scènes de foule. Ce style a été créé par A. G. Arnold et G. S. Venetsianov, B. A. Shakhet et M. S. Mestechkin, ainsi que par de nombreux autres réalisateurs talentueux.
Dans le cirque soviétique, des spectacles entiers ont été créés avec une intrigue transversale en deux parties : « Carnaval à Cuba », « Pipe de la paix », « La légende de Bakhchisarai ». Représentations : « Petit Pierre », « Musiciens de Brême », « La Pantoufle de Cristal » sont destinées aux enfants. Les groupes « Circus on Ice », « Circus on Water », « Circus Revue » sont apparus.
Chaque année, la famille des artistes de cirque s'agrandit. En 1927, l'École nationale des arts du cirque et des arts variés (GUTSEI) a été ouverte à Moscou, qui en 1987 porte le nom de M. N. Rumyantsev. Ici, les futurs maîtres de piste maîtrisent leur métier et reçoivent un enseignement secondaire. Parmi les diplômés de l'école figurent les clowns G. T. Makovsky et G. A. Rotman, A. N. Nikolaev, Yu. D. Kuklachev, A. P. Marchevsky, les funambules V. I. et N. I. Frantsuzov, les jongleurs E. E. Bilyauer et S. M. Ignatov et bien d'autres. Suivant le modèle du GUCEI, des écoles ont été ouvertes à Kiev et à Tbilissi, ainsi qu'en Hongrie, en Bulgarie, en RDA et dans d'autres pays socialistes.
Le réalisateur A.I. Medvedkin a écrit : « Le cirque est un art de la plus grande précision. Contrairement au cinéma, rien n’est fait de manière approximative ici.» Cette précision et ce savoir-faire joaillier sont évalués chaque année par le Festival International du Cirque de Monte-Carlo. Les meilleurs artistes du monde entier viennent ici. Le meilleur des meilleurs reçoit le Grand Prix du festival - "Clown d'Or". Vous ne pouvez le gagner qu'une seule fois. Parmi les artistes soviétiques, ce prix honorifique a été remporté par les acrobates sur balançoires avec des ours, les Belyakov, les funambules sur perchoirs dirigés par Leonid Kostyuk, le clown Oleg Popov, les cavaliers tchétchènes-ingouches Nugzarovs et l'ensemble acrobatique « Romantiques » dirigé par Vladimir Doveiko. .
La langue du cirque est comprise dans tous les pays sans traducteur. Surtout quand il est brillant, imaginatif et émotionnel. Les talents d'interprète, la couleur et la musicalité de nos spectacles de cirque ainsi que leur attitude optimiste rendent les tournées des artistes soviétiques souhaitables sur tous les continents de la planète.