François Boucher(Français François Boucher, 29 septembre 1703, Paris - 30 mai 1770) - Peintre, graveur, décorateur français. Un brillant représentant de la culture artistique du rococo.
Portrait de François Boucher par Gustav Lundberg
François Boucher est un éminent représentant de l'époque rococo et un maître des arts artistiques de la peinture française du début du XVIIIe siècle. L’œuvre de Boucher est extrêmement difficile à caractériser uniquement sous certaines nuances et sous certains angles, puisque son activité visuelle ne s’étend pas seulement aux peintures.
La créativité du peintre Boucher est extrêmement multiple : il se tourne vers des sujets allégoriques et mythologiques, représente les fêtes de village et la vie parisienne mondaine, peint des scènes de genre, des pastorales, des paysages et des portraits.
Boucher reçut de nombreux honneurs, dont le titre de peintre de la cour (1765). Il participe activement à la décoration des résidences du roi et de Madame de Pompadour et des hôtels particuliers de Paris. La favorite de Louis XV, la marquise de Pompadour, qu'il représente dans plusieurs portraits, était une de ses admiratrices. Au cours de ses dernières années, il fut directeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et « le premier peintre du roi ». Les meilleures œuvres de Boucher se caractérisent par un charme extraordinaire et une exécution parfaite.
François Boucher (1703-1770) était un représentant typique de l'art léger, festif et très décoratif du rococo. Sa peinture a été influencée par le travail d'Antoine Watteau, mais la légère tristesse évidente dans ses peintures était étrangère à Boucher. On peut dire que Watteau a donné l'esprit au Rococo et la chair à Boucher. Les toiles du maître sont pleines de sensualité, mais à la française : quand l'amour peut prendre la forme d'un beau jeu.
Dans le riche héritage pictural de François Boucher (1703-1770), qui a travaillé dans le style rococo sensuel et raffiné, l'un des tableaux les plus populaires est « Le Bain de Diane ». La plus belle déesse olympienne Diane est apparue sur la toile de l'artiste français comme une enchanteresse des plus charmantes, se reposant après ses plaisirs de chasse au bord d'un ruisseau. Boucher ne s'est pas efforcé de suivre exactement les mythes grecs sur la déesse en peignant son image. Il ne s’intéresse pas à la mythologie en tant que telle, il ne s’en sert que comme d’un prétexte commode pour représenter un corps féminin nu, jeune et beau. Sa Diane est une créature douce, habituée au bonheur et aux soins, elle ne vit que pour faire plaisir aux regards gourmands.
Toilettes de Vénus (1751) (108 x 85) (New York, métropolitaine)
«La Toilette de Vénus» a été commandée à l'artiste par sa mécène, Madame Pompadour, préférée de Louis XV, pour son château Bellevue près de Paris. Madame Pompadour a elle-même joué le rôle principal dans la pièce du même nom au théâtre de Versailles. Sur la toile, Vénus ressemble à une dame de cour du XVIIIe siècle : elle a un visage « en porcelaine » à l'expression langoureuse et enjouée, des gestes de charmant mince, une coiffure caractéristique aux boucles naturellement allongées, et toute elle, malgré les la splendeur de ses formes, on dirait une poupée. Les Amours n'habillent pas tant cette charmante coquette qu'ils jouent avec ses cheveux et ses bijoux. Des colombes, oiseaux sacrés, planent près de Vénus, l’une d’elles s’accroche à la poitrine de la déesse. Le corps de la belle est peint dans des couleurs rares et raffinées, mais quelque peu contre nature. Boucher l'a fait délibérément : il n'a pas cherché à imiter la nature, s'expliquant par le fait que la nature est aussi imparfaite.
Madame Bergeret (vers 1766) (143,5 x 105,4) (Washington, National Gallery)
"Portrait de Madame Bergeret" est l'un des plus intéressants de l'œuvre du maître. Il n'est pas établi exactement qui est représenté sur la toile. Peut-être s'agit-il de l'une des trois épouses de Bergeret de Grandcourt, collectionneur qui possédait la plus grande collection de peintures et de dessins de Boucher, ou de la marquise de Pompadour elle-même, puisque l'auteur a repris la pose de « Madame Bergeret » dans son portrait ultérieur, et l'artiste a toujours idéalisé les traits des modèles. La noble cliente pose pour le peintre dans une riche robe en soie légère et chatoyante ; le corsage est orné d'un bouquet de fleurs et d'un volumineux nœud bleu dont la couleur fait écho aux rubans du chapeau de paille à larges bords qu'elle tient à la main. L’œuvre est basée sur une combinaison de tons doux argent-olive, caractéristiques de la peinture du XVIIIe siècle.
Vénus demandant à Vulcain des armes pour Énée (1732) (252 x 175) (Paris, Louvre)
Enée, le héros du poème Énéide de Virgile, était destiné à débarquer en Italie et à fonder la ville de Rome. Dès son arrivée là-bas, il fut impliqué dans une série de guerres provoquées par Junon. Vénus, la mère d'Énée, lui est venue en aide à plusieurs reprises. Le tableau de Boucher (1732) représente une Vénus nue, déesse de la beauté et de l'amour, assise de manière coquette sur un nuage, entourée de cygnes et de colombes - ces oiseaux sont considérés comme ses attributs. Elle regarde son mari Vulcain et lui demande de confectionner une armure pour son fils.
Peintre de la cour du roi de France Louis XV, Boucher fut critiqué pour être trop indulgent et ne pas représenter quelque chose de plus sérieux que des putti, des nymphes et des femmes à moitié nues. Mais son style léger et gracieux, caractéristique de l'art rococo, était idéal pour les peintures, les bijoux, les tapisseries et les décorations des palais royaux.
Diane après le bain (1742) (56 x 73) (Paris, Louvre)
Boucher a représenté la vierge chasseuse de déesse Diane au bord d'un ruisseau clair. Elle jeta négligemment son carquois de flèches. Au premier plan, le spectateur voit son arc et les « fruits de son travail » : deux pigeons abattus et un lièvre. L'artiste n'avait pas l'intention de tromper qui que ce soit : il a représenté une fille complètement terrestre sous la forme d'une déesse. La mythologie n’est ici qu’une excuse décente pour se tourner vers la nature féminine nue. Malgré le fait que Diane a toujours été considérée comme une déesse sévère, habituée aux rigueurs d'une vie de chasse, Boucher ne peut se priver du plaisir de la peindre sur fond de draperies luxueuses. D'un geste odalisque, Diana doigte un collier de perles de ses doigts rose tendre et rebondis. Son corps est celui d'un favori choyé d'un duc. Il est difficile d’imaginer que cette gracieuse beauté puisse passer plusieurs heures à chasser le gibier. Il est encore plus difficile d'imaginer que cette Diane lance ses chiens sur le malheureux Actéon, qui a accidentellement vu sa nudité. Très probablement, il ouvrira les bras pour le rencontrer. Les poses décontractées de la déesse et de la nymphe, sa fidèle servante, témoignent du savoir-faire du peintre Boucher.
Évidemment, de par son tempérament, Boucher ne pouvait pas être un maître de la peinture historique (même s'il était officiellement considéré comme tel). Mais en même temps, on ne peut pas dire que l'artiste ait rencontré des difficultés en travaillant sur des compositions complexes à plusieurs composants. Boucher n’a jamais vu un détail paraître ridicule, « collé ». Le maître a toujours « opéré » avec une habileté étonnante, par exemple avec des draperies et des natures mortes. Un exemple de nature morte brillante est la « nature morte avec un arc, deux colombes et un lièvre », que le spectateur peut voir dans le tableau « Le bain de Diane ». Il s'intègre très habilement dans la composition de l'image, sans se perdre dans le contexte général, mais aussi sans éclipser l'intrigue principale. Faites également attention aux drapés bleus qui, d’une part, contrastent de manière exquise avec la peau délicate de Diane et, d’autre part, mettent en valeur les ailes de colombe et la fourrure de lièvre gris. Le fond vert humide de l’image peut également être qualifié de réussi. Cela rappelle au spectateur l'eau claire, les forêts de chênes ombragées, la fraîcheur du soir - en un mot, quelque chose qui adoucit les sens, évoque des souvenirs agréables et des pensées rêveuses. Dans ce contexte, les belles femmes nues semblent peut-être encore plus avantageuses que dans le boudoir le plus magnifique.
Rinaldo et Armida (1734) (135,5 x 170,5) (Paris, Louvre)
La naissance et le triomphe de Vénus (1740) (130 x 162) (Stockholm, Musée national)
"Le Triomphe de Vénus" (1740), c'est ce tableau que l'envoyé suédois Tessin acheta à Boucher pour 1600 livres.
Pastorale d'automne (1749) (260 x 199) (Londres, Wallace Collection)
"Pastorale d'Automne" est l'un des deux tableaux commandés par François Boucher au ministre des Finances de Louis XV. Le deuxième tableau s’intitule « Pastorale d’été ». Les intrigues des deux « pastorales » s'inspirent de la pantomime du prolifique dramaturge Charles Simon Favard (1710-1792). Dans ce cas, le tableau présente une scène touchante : un jeune berger donne du raisin à Lisette, le personnage principal de la pantomime. Boucher a tellement aimé cette intrigue qu'il a peint au moins deux autres tableaux basés sur celle-ci, et le berger et Lisette se sont finalement transformés en figurines en porcelaine. On ne sait pas si Boucher a lui-même réalisé les croquis de ces figurines. Il est fort possible que le ministre des Finances, qui avait ses propres relations avec la manufacture de porcelaine, ait confié cette commande à un autre artiste (les services de Boucher auraient pu paraître trop coûteux au ministre). Une chose est connue : le berger et Lisette sont devenus pendant de nombreuses années les héros préférés des « maîtres de la porcelaine » non seulement en France, mais dans toute l'Europe. Certes, le fait que le dramaturge Favart ait « composé » le berger, les raisins et Lisette fut très vite oublié.
Odalisque au repos (Portrait de Mademoiselle Louise O'Murphy) (1752) (59 × 73) (Munich, Alte Pinakothek)
Denis Diderot, le critique le plus véhément de Boucher, reprocha à plusieurs reprises au maître d'aimer trop « peindre les filles ». " Et comment sont ces filles ? " Diderot s'indigne. " De gracieuses représentantes du demi-monde. " En effet, Boucher pensait peu au côté « moral » de son œuvre. Et il a peint des femmes nues non seulement sous la forme de déesses et de nymphes (dans les peintures mythologiques, la nudité n'a pas l'air si provocante, car elle est déterminée par l'intrigue elle-même), mais a souvent représenté des odalisques complètement terrestres. Par exemple, dans ce tableau, il crée une image ouvertement sensuelle. Une jeune fille, presque adolescente, est allongée sur le canapé. Boucher entoure la jeune beauté du luxe le plus raffiné. Des oreillers moelleux, des tentures, un brûleur d'encens - tout cela crée une atmosphère de bonheur sensuel. Le spectateur, quant à lui, comprend immédiatement que l'héroïne de la toile s'est retrouvée assez récemment dans un tel environnement et n'a pas encore eu le temps de s'y habituer. Et cette « fraîcheur » était censée donner encore plus de charme à la jeune fille aux yeux des « aristocrates dépravés » du XVIIIe siècle. On suppose que Louise O'Murphy, la fille d'un cordonnier irlandais, a posé pour ce tableau de Boucher. À l'âge de quatorze ans, la jeune fille a commencé à travailler comme modèle et a rapidement attiré l'attention de Louis XV, qui lui a fait une de ses maîtresses. Elle ne resta pas indifférente aux charmes de Louise et du célèbre Casanova, qui l'appelaient « un lys blanc comme neige, la plus belle de toutes les créatures terrestres ». En conclusion, notons que le tableau « Fille couchée » fut un énorme succès - Boucher dut même en peindre plusieurs exemplaires.
Dans presque toutes ses œuvres consacrées à l'amour et aux plaisirs sensuels, Boucher réduit au minimum l'élément narratif, laissant le spectateur profiter simplement de la nudité rose des nymphes et des visages de porcelaine des bergères. Mais le tableau « Mars et Vénus capturés par Vulcain » doit être considéré comme une exception à cette règle. Cela illustre tout un mythe. Comme le lecteur s'en souvient, Vénus était l'épouse de Vulcain, un dieu boiteux, mais en même temps très habile dans le métier de forgeron. La déesse de l'amour, cependant, était beaucoup moins intéressée par ces capacités exceptionnelles de son mari que par la beauté courageuse de Mars, le dieu de la guerre. Et un beau jour, elle devint sa maîtresse. Frustré et offensé, Vulcain a tissé un filet mince mais très solide dans lequel les amants malchanceux ont été pris. Pour sa peinture, Boucher choisit le moment le plus dramatique de cette histoire. Vulcain jette son filet magique sur les amoureux. Vénus, ne se doutant encore de rien, somnole doucement dans les bras du dieu de la guerre. Et lui, à peine réveillé, regarde avec horreur le formidable époux de Vénus. Le désespoir est écrit sur le visage de Mars - après tout, il n'est pas armé et ne peut donc pas repousser dignement une personne jalouse. L'artiste a représenté son bouclier, son casque et sa lance au premier plan de l'image - afin que le spectateur comprenne que Mars ne pourrait pas atteindre son «équipement», même s'il le voulait vraiment. Les putti effrayés tentent soit de couvrir les amants, soit de se cacher de Vulcain, et le brûle-encens placé au pied du lit continue de dégager un arôme doux, sensuel et - à la lumière de la nouvelle tournure des événements - inapproprié.
Portrait de la marquise de Pompadour (1759) (91 × 68) (Londres, Wallace Collection)
Le portrait n'était pas le point fort de Boucher. Tout au long de sa vie, il a peint une douzaine de portraits. La moitié d'entre elles représentent Madame Pompadour, ce qui témoigne sans doute de l'amitié étroite qui unissait l'artiste et la maîtresse du roi. Le tableau que vous voyez devant vous est le dernier portrait de Madame Pompadour. Ce tableau fut autrefois accroché à Versailles et, après la mort de la favorite royale, il passa à son frère. Malgré le fait que Madame Pompadour aimait beaucoup Boucher et le considérait comme un peintre brillant, elle ne se faisait aucune illusion sur sa capacité à peindre des portraits. Elle disait à propos d’un de ses portraits réalisé par Boucher : « Je suis belle ici, mais pas du tout comme moi. »
Il faut cependant noter l'originalité de la manière dont ces portraits ont été peints. D'une part, ils ne sont pas dénués des traits d'un portrait d'apparat traditionnel, d'autre part, ils sont colorés par l'intimité, la relation personnelle de l'artiste au modèle. Au moment où ce portrait est peint, Madame Pompadour n’est plus la maîtresse du roi, même si elle conserve tous les privilèges d’une « favorite officielle ». N'étant « de jure » qu'une marquise, elle reçut « de facto » les honneurs qui conviennent à une duchesse. Cependant, d'après le portrait de 1759, ce qui nous regarde n'est pas plutôt une personne puissante et ambitieuse, mais une femme intelligente et instruite avec un goût artistique subtil. C'est ainsi que Boucher lui-même se souvenait d'elle, et c'est ainsi que de nombreux contemporains parlaient d'elle, notant que Madame de Pompadour n'avait ni l'arrogance ni l'excentricité, habituellement caractéristiques des « oiseaux d'un tel vol ». Au contraire, tout le monde parlait d'une seule voix de la courtoisie et du tact de la plus célèbre maîtresse du roi.
Ermitage : Boucher, François - Paysage aux environs de Beauvais
Moulin à Charenton (années 1750) (72 x 92) (Orléans, Musée des Beaux-Arts)
Les paysages de Boucher, comme ses œuvres d'autres genres, sont passés de mode à la fin du XVIIIe siècle. Les images de paysages idylliques ont été remplacées par des peintures romantiques, censées donner au spectateur une idée de la grandeur de la nature. Pendant de nombreuses années, les moulins délabrés et les étangs tranquilles, que l'artiste lui-même et ses clients aimaient tant, ont été oubliés. Ces paysages ne peuvent vraiment pas être considérés comme l’apogée de l’œuvre de Boucher, et pourtant il est difficile de ne pas convenir qu’ils ont été peints par la main d’un grand maître. Il ne faut pas y chercher un reflet fidèle de la nature, mais leur charme ne réside pas dans la véracité. Le héros de notre numéro a écrit la plupart de ses peintures de paysages sur la base d'impressions de voyages à la campagne. Il travaille les croquis qu'il rapporte de ces voyages chez lui, dans son atelier parisien. Certains d’entre eux sont devenus des matériaux pour de futures tapisseries, et d’autres ont été « transformés » en petits paysages. En ce qui concerne les détails du paysage, Boucher se montre assez accommodant : à la demande du client, il peut inclure dans la composition du tableau une cabane de village, un vieux pont à bosse, une figurine de bergère ou de lavandière. Un exemple typique du travail de Boucher dans le genre de « l'idylle paysagère » est présenté ci-dessus.
Esquisse de "L'Eau" (1748)
François Boucher fut l'un des meilleurs dessinateurs du XVIIIe siècle. Il remarquait les moindres détails naturalistes avec une précision exceptionnelle. Les historiens de l'art estiment qu'au cours de sa vie, Boucher a créé au moins dix mille dessins dans diverses techniques. Beaucoup d’entre eux sont des croquis de ses futurs tableaux. Par exemple, le croquis présenté ci-dessus a ensuite été utilisé lors du travail sur le tableau « Eau » du cycle « Quatre éléments », qui décorait les portes de l'un des châteaux royaux. En plus des croquis, Boucher a également créé des dessins entièrement terminés, dont chacun peut être considéré comme une œuvre d'art indépendante. Dans ces cas, le maître se tournait le plus souvent vers la nature féminine - à la fois habillée et nue. Son dessin « Nu sur un lit » respire la sérénité et le charme. Habituellement, l'artiste dessinait à la craie noire, rouge et blanche sur du papier jaune, mais il utilisait parfois des pastels et de l'encre de couleur. Déjà de son vivant, la réputation de Boucher en tant que dessinateur était très élevée, comme en témoigne le fait que ses dessins furent immédiatement arrachés par les collectionneurs d'art. Certaines d’entre elles étaient plus chères que les peintures « à part entière » d’autres peintres.
François Boucher : Nu au lit
Toilettes de Vénus (après 1743) (101 x 86,7) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)
Comme déjà mentionné, Boucher a eu recours à des sujets mythologiques principalement pour pouvoir représenter de belles femmes nues entourées des détails les plus inutiles. De plus, ces sujets se prêtaient parfaitement à la porcelaine, aux panneaux décoratifs et aux tapisseries. Boucher évitait généralement les scènes dramatiques, préférant choisir pour ses peintures des « sujets sans intrigue », ce qui lui permettait d'accorder la plus grande attention aux poses gracieuses des nymphes et des déesses.
Les toiles appariées sont considérées comme les meilleures œuvres mythologiques de Boucher "Lever du soleil", 1753 et "Coucher de soleil", et "Triomphe de Vénus" Et "Le bain de Diane". Toutes ces œuvres manquent totalement d’élément narratif. Mais presque partout, il y a de beaux corps féminins en abondance (Boucher aimait surtout peindre, bien sûr, la déesse de l'amour, Vénus). Un médaillon ovale est très caractéristique de l’œuvre du maître. "Toilettes de Vénus", où la déesse est représentée dans toute la splendeur de sa nudité. Notons que Boucher n’a jamais représenté aussi ouvertement les corps masculins. Dans "Vénus et Mars capturés par Vulcain", nous ne voyons que les têtes et les épaules de Vulcain et de Mars. Mais l'artiste met Vénus au premier plan, donnant au spectateur l'occasion de profiter de la contemplation de ses magnifiques formes. Il est intéressant de noter que Jupiter (dans les scènes où il séduit l'une ou l'autre de ses « maîtresses mythologiques ») n'apparaît jamais devant le spectateur sous la forme d'un homme. Avec Léda, il est un cygne, avec Danaé, il est une douche dorée, avec Callisto, il est Diane.
Lever du soleil (1748) (321 × 270) (Londres, Wallace Collection)
Toilettes (1742) (52,5 x 66,5) (Madrid, Musée Thyssen-Bornemisza)
Tous les clients n'aimaient pas le « menu signature » de Boucher, composé de scènes pastorales, mythologiques et boudoir. Oui, il faut le penser, le maître lui-même se lassait parfois des nymphes et des bergères. Et puis sous son pinceau sont sorties de charmantes scènes de genre - avec des femmes ressemblant à des poupées habillées à la dernière mode, des enfants bien élevés et des détails élégants de la vie quotidienne. Le tableau de genre le plus célèbre de Boucher est peut-être « Café du matin », 1739. Apparemment, sa femme et sa sœur, ainsi que ses deux enfants, ont posé pour le maître. Le soleil qui traverse la fenêtre peint l’intérieur exquis de la pièce de couleurs délicates. Toutes les personnes présentes ont l'air contentes les unes des autres, la cafetière fume dans les mains du serviteur, les enfants sont des anges. De telles scènes de genre étaient très appréciées des clients. Par exemple, la princesse héritière suédoise Louise Ulrika a commandé à l'artiste quatre tableaux (selon l'heure de la journée - matin, après-midi, soir et nuit) "avec des personnages habillés à la mode et de beaux visages". Le comte Tessin était également un grand amateur des peintures de genre de Boucher. Pour lui, l'artiste a peint ci-dessous « Femme ajustant sa jarretière » (1742). Remarquez à quel point ces tableaux sont très différents des scènes de genre de Chardin. Chaque détail - jusqu'au talon de la chaussure de la belle, jusqu'au jouet de l'enfant - parle ici de « l'art de vivre ». Et il est évident que Boucher comprend cet « art » de manière complètement différente de Chardin.
Café du matin (1739) (81,5 × 61,5) (Paris, Louvre)
Peut-être n’ont-ils jamais recherché autant le « plaisir » et la sophistication qu’à la cour du roi Louis XV. L'art de vivre facilement, de « cueillir les fleurs du plaisir », commence à être vénéré comme un véritable art. Parfois, il semble qu’il y ait déjà dans l’air le pressentiment d’un orage, d’une catastrophe imminente. Et que c'est précisément cette prémonition qui a déterminé le désir de s'installer avec toute la grâce et le confort possibles, de s'entourer de bergères aux joues roses, de poupées de porcelaine et de paysages idylliques. C’était précisément cela qui exigeait que la vie ressemble au théâtre. Et Boucher nourrit habilement les illusions de ses clients. Ses peintures plongent le spectateur dans un monde de rêves charmants et de fiction charmante. Notez que le maître ne nous dit jamais : « Regardez comme cela est vrai. » Il dit : "Regarde comme c'est mignon." Il ne nous éduque pas, ne nous inculque pas le désir d'objectifs élevés, mais regrette seulement que la vie soit si courte et si, par essence, triste. Et, le regrettant, il essaie d'en adoucir les coins, de draper sa laideur, de la rendre au moins un peu plus agréable. Tromperie? Laisser être. Mais une personne n’a pas toujours besoin de la vérité. Parfois, il a aussi besoin de consolation.
porcelaine
L’« art de la porcelaine » français doit sans aucun doute beaucoup à Boucher et, bien sûr, à Madame Pompadour. À partir des années 1740, la maîtresse du roi s'intéresse vivement à la manufacture de porcelaine de Vincennes. Son intérêt fut si persistant qu'en 1751 Louis XV lui offrit cette petite usine. Et madame, retroussant ses manches, se mit au travail. A son initiative, la production de porcelaine se « déplace » progressivement vers Sèvres (le déménagement a lieu en 1753-56). Parallèlement, la marquise de Pompadour invite François Boucher à développer de nouveaux projets pour sa manufacture.
Au cours d'une décennie (de 1756 à 1766), l'artiste réalise d'innombrables croquis, selon lesquels des figurines et des décors sont fabriqués à l'usine. Parmi les œuvres les plus intéressantes basées sur ses dessins figure « La Science de l’Amour », 1763 (en haut à droite). Cette composition a été créée d’après le croquis du maître non par n’importe qui, mais par Etienne Maurice Falconet. La série de figurines « Enfants », réalisées en porcelaine blanche, est également remarquable. De charmants enfants, sculptés d’après les dessins de l’artiste, ne font que cueillir des fleurs et chanter des chansons. Quant aux services peints d’après les dessins de Boucher, impossible d’ignorer l’ensemble de vases « Amoureux au jardin » (ci-dessous). Ces vases se distinguent par une grande grâce, même si pour un spectateur moderne, ils peuvent sembler quelque peu « surchargés » de détails.
Le travail de l’artiste a eu une grande influence sur le développement de la céramique décorative dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Non seulement les maîtres de Sèvres, mais aussi les maîtres d’autres pays européens ont travaillé à partir des dessins de Butet. Dans la célèbre manufacture de porcelaine de Meissen, près de Dresde, le croquis de Boucher a par exemple été utilisé pour créer la « Scène de jardin » (en haut à gauche). Après la mort de Madame Pompadour en 1764, la coopération de Boucher avec la manufacture de Sèvres échoue peu à peu, puisque la nouvelle favorite du roi, Madame Dubarry, commence à gérer les affaires ici.
porcelaine
Nid (1740) (98 x 146) (Paris, Louvre) Bergère
Il est désormais difficile d’imaginer à quel point les scènes pastorales étaient populaires dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Certes, après la révolution, ils ont commencé à les critiquer avec la même passion avec laquelle ils les avaient auparavant vantés et achetés. À un moment donné, les bergères sont devenues, aux yeux des radicaux, presque les principaux symboles de « l’ancien régime » détesté. Cependant, à l'époque de Boucher, des pastorales du maître, comme « La Bergère » ou « Le Nid » (ci-dessus), étaient reproduites à la fois sous forme de tapisseries et de dessins de services en porcelaine. Et, bien sûr, de nombreuses gravures en ont été réalisées, car non seulement les aristocrates, mais aussi les personnes de rang assez simple voulaient posséder des articles ménagers élégants.
De jolies bergères habillées avec goût (ou légèrement vêtues) pouvaient décorer non seulement les appartements royaux, mais aussi la maison d'une pauvre couturière. Bien entendu, ce dernier devait se contenter non pas du chef-d’œuvre du maître, mais d’une gravure inférieure. La source de « l'inspiration pastorale » était le Théâtre Boucher, où des pièces pastorales avec musique et poésie étaient souvent jouées aux XVIIe et XVIIIe siècles. Les premières pièces de ce genre sont apparues au XVIe siècle, en Italie. De là, ils ont émigré vers la France. Ici, les pastorales prenaient le plus souvent la forme de ballet ou de pantomime. On sait que Boucher a conçu des performances similaires plus d'une fois, et nombre de leurs intrigues ont ensuite constitué la base de ses scènes de berger idylliques.
Château de Versailles : François Boucher - Pastorale
Odalisque (1743) (53 x 65) (Reims, Musée d'Art)
Cette œuvre peut être qualifiée de « prototype » de « Reclining Girl », créée près d’une décennie plus tard. Une jeune beauté est allongée langoureusement sur le canapé. Le rêve est inscrit sur son visage : il est tourné vers le spectateur, mais les yeux de la femme sont dirigés quelque part au loin. Le titre et les détails orientaux spécifiques devraient laisser entendre que l'action se déroule dans le harem d'un sultan (bien que dans un harem fortement européanisé).
Modiste (1746) (64 × 53) (Stockholm, Musée national)
Une charmante scène de genre, écrite comme spécifiquement pour un boudoir ou un bureau de dame. Une modiste est assise par terre et apporte à son client une boîte d'échantillons de rubans parmi lesquels choisir. La cliente choisit probablement les rubans depuis un certain temps, car le spectateur peut clairement voir la fatigue soumise sur le visage de la jeune couturière.
Moulin (1751) (66 x 84) (Paris, Louvre)
Un des paysages emblématiques de Boucher. Il y a ici tout ce que le client le plus exigeant peut souhaiter. Un vieux moulin, des haies branlantes, un pont, des pigeons, des enfants mignons. Même la blanchisseuse qui lave le linge dans la pose gracieuse d'une dame de la cour faisant une profonde révérence.
Développer ]
éléments structurels - tout cela est représenté de manière mignonne, un peu fabuleuse, comme une illustration dans un livre pour enfants.
François Boucher
L'un des plus brillants représentants du genre rococo, grand peintre, décorateur et graveur français.
François Boucher est né à Paris le 29 septembre 1703. Son père, Nicolas Boucher, était artiste. Il gagnait sa vie en dessinant des gravures et des motifs de broderie. Dès son plus jeune âge, François aide son père dans l'atelier.
Le père, ayant découvert le talent de son fils, le confia comme élève à François Lemoine. Boucher a passé plusieurs mois avec Lemoine et l'a rappelé plus tard sans grande gratitude.
À l'âge de dix-sept ans, Boucher entre dans l'atelier du graveur Jean-François Cars, ce qui lui permet de gagner sa vie, ainsi que d'établir des contacts utiles avec les clients haut placés de son mentor.
En 1722, François Boucher fut chargé d'illustrer une nouvelle édition de « L'Histoire de France » d'Honoré Gabriel Daniel, et en 1723 le peintre reçut un prix académique pour le tableau « Mal-Merodach, fils et héritier de Nabuchodonosor, libérant le roi Joachim de les chaînes. En 1725, Boucher présente plusieurs tableaux à une exposition de jeunes auteurs et est invité par de Julienne à collaborer à la publication des œuvres d'Antoine Watteau.
En 1727, il se rendit à ses frais à Rome, où il étudia avec le plus d'assiduité Albano et Pietro da Cortone, avec lesquels il fut souvent comparé plus tard, et copia toute une collection de têtes de la Colonne Trajane (publiée par Huten). Les critiques contemporains trouvaient que les tableaux peints par Boucher, à son retour d'Italie, se distinguaient par leur beauté et leur force masculine ; cela peut s'appliquer à des tableaux qui ne nous sont parvenus que dans des gravures publiées par Lavrenty Kars, puisque leurs originaux ont disparu.
Le 24 novembre 1731, B. fut admis à l'académie et, en 1732, il écrivit « Vénus ordonnant à Vulcain des armes pour Énée ».
La véritable reconnaissance arrive à Boucher en 1737, lorsque ses tableaux apparaissent pour la première fois au Salon. La même année, il commence à travailler pour l'Opéra de Paris, créant des décors et concevant des costumes pour des ballets, des opéras et des représentations dramatiques. Un peu plus tôt, en 1734, débute sa collaboration avec la Manufacture Royale de Tapisserie. À la fin de la décennie, la position du maître était tellement renforcée qu'il n'avait plus à se soucier de son avenir et de celui de ses enfants (Boucher en avait trois - deux filles, qui épousèrent plus tard les élèves de leur père, et un fils , qui, comme son père, est devenu artiste) .
De plus, il commença à se permettre d’être très sélectif quant aux commandes. Il convient de noter, par exemple, l'histoire de sa relation avec le comte Carl Gustav Tessin, l'envoyé suédois à Paris. Leur connaissance par contumace eut lieu vers 1737, lorsque le comte, qui se trouvait alors encore en Suède, tenta de commander un tableau à l'artiste par l'intermédiaire de son agent parisien. L’agent n’a pas tardé à répondre : « J’ai vu Monsieur Boucher… Mais quand je lui ai annoncé le prix proposé, il n’a même pas voulu me parler. Actuellement, il reçoit au moins 300 livres pour chacun de ses tableaux. C'est un jeune homme très occupé, il travaille à la cour du roi et se considère comme l'un des peintres les plus célèbres de notre époque. A vrai dire, à Paris, il est vraiment considéré comme l'un des meilleurs."
À la fin des années 1740, Madame Pompadour, maîtresse du roi Louis XV, devient la patronne de Boucher. Elle a suivi des cours de dessin auprès de l'artiste - du moins c'était la version officielle. Et j'ai payé beaucoup d'argent pour ces leçons. Dans les salons, on disait qu'entre Madame Pompadour et le peintre il n'y avait pas que des relations amicales. Grâce aux relations de la maîtresse du roi, Boucher put recevoir des commandes très lucratives du directeur général des domaines royaux - notamment des peintures décoratives à Versailles.
Passionnée de théâtre, Madame Pompadour ordonne la construction d'un petit théâtre pour elle-même à Versailles. Pour lui, Boucher (à cette époque déjà un décorateur de théâtre expérimenté) a créé des décors et des costumes. Et bientôt la toute-puissante madame lui trouve un nouveau métier : réaliser des croquis de décors et de figurines en porcelaine produites à la manufacture de Sèvres. C'est dans la seconde moitié du XVIIIe siècle que cette petite ville proche de Paris devient célèbre pour sa porcelaine. Il faut penser que les œuvres de Boucher ont joué ici un rôle important.
Après la révolution de 1789, l’œuvre de l’artiste, « souillé » par sa proximité avec la cour royale, est vouée à l’oubli. Jusqu'au milieu du XIXe siècle, on ne se souvient de François Boucher qu'avec un sourire méprisant. Mais avec l'avènement de l'ouvrage en plusieurs volumes des frères Goncourt, « L'Art du XVIIIe siècle », l'attitude envers le « premier peintre de cour » changea, et il reprit la place qui lui revient parmi les maîtres de la peinture du XVIIIe siècle. .
Oreilles usagées et rococo
Rokoko
Rocaille
Style d'art (principalement décoration d'intérieur) apparu en France dans la première moitié du XVIIIe siècle (sous la régence de Philippe d'Orléans) comme développement du style baroque. Les traits caractéristiques du rococo sont la sophistication, une grande charge décorative des intérieurs et des compositions, un rythme ornemental gracieux, une grande attention portée à la mythologie et le confort personnel. Le style a connu son plus haut développement en architecture en Bavière.
François Boucher était un représentant typique de l'art léger, festif et hautement décoratif du rococo. Sa peinture a été influencée par le travail d'Antoine Watteau, mais la légère tristesse évidente dans ses peintures était étrangère à Boucher. On peut dire que Watteau a donné l'esprit au Rococo et la chair à Boucher. Les toiles du maître sont pleines de sensualité, mais à la française : quand l’amour peut prendre la forme d’un beau jeu.
Dans le riche héritage pictural de François Boucher, qui a travaillé dans le style rococo sensuel et raffiné, l'un des tableaux les plus populaires est « Le Bain de Diane ». La plus belle déesse olympienne Diane est apparue sur la toile de l'artiste français comme une enchanteresse des plus charmantes, se reposant après ses plaisirs de chasse au bord d'un ruisseau. Boucher ne s'est pas efforcé de suivre exactement les mythes grecs sur la déesse en peignant son image. Il ne s’intéresse pas à la mythologie en tant que telle, il ne s’en sert que comme d’un prétexte commode pour représenter un corps féminin nu, jeune et beau. Sa Diane est une créature douce, habituée au bonheur et aux soins, elle ne vit que pour faire plaisir aux regards gourmands.
Peintures de François Boucher (œuvres)
Oh, fille au repos
Le tableau est l’un des tableaux les plus célèbres de la collection de l’Alte Pinakothek. C'est l'une des meilleures œuvres de François Boucher, qui, en tant que peintre de la cour de Louis XV, a dépeint la vie de cette époque, riche en douceurs et en plaisirs.
La figure d’une jeune fille est représentée dans une pose très inhabituelle et complexe. Le dossier du canapé est inconfortablement haut pour cette position du corps et les jambes, si avidement enfouies dans les oreillers, ne sont pas en mesure de servir de support au corps courbé. Boucher a magistralement résolu ce problème et a présenté le mouvement et les quelques objets du tableau de manière très ludique.
Le canapé, le rideau et le mur sont d'une douce couleur olive et ne diffèrent que par le matériau ; un couvre-lit en soie rose foncé coûteux qui ajoute de la profondeur à l'image ; un ruban de soie bleu clair tissé dans les cheveux de la jeune fille et enroulé dans ses mains. Le bleu clair et le rose sont les couleurs principales du rococo.
TOILETTES
1742, Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid
Diana après la baignade
(1742 Paris, Persienne)
T toilettes de Vénus
«La Toilette de Vénus» a été commandée à l'artiste par sa mécène, Madame Pompadour, préférée de Louis XV, pour son château Bellevue près de Paris. Madame Pompadour a elle-même joué le rôle principal dans la pièce du même nom au théâtre de Versailles.
Sur la toile, Vénus ressemble à une dame de cour du XVIIIe siècle : elle a un visage « en porcelaine » à l'expression langoureuse et enjouée, des gestes de charmant mince, une coiffure caractéristique aux boucles naturellement allongées, et toute elle, malgré les la splendeur de ses formes, on dirait une poupée. Les Amours n'habillent pas tant cette charmante coquette qu'ils jouent avec ses cheveux et ses bijoux. Des colombes, oiseaux sacrés, planent près de Vénus, l’une d’elles s’accroche à la poitrine de la déesse. Le corps de la belle est peint dans des couleurs rares et raffinées, mais quelque peu contre nature. Boucher l'a fait délibérément : il n'a pas cherché à imiter la nature, s'expliquant par le fait que la nature est aussi imparfaite.
Oh Dalica
1745. Musée du Louvre, Paris.
Ce portrait de jeune femme à moitié nue est aussi connu sous le nom d'"Odalisque aux cheveux noirs". Une jeune femme nue est allongée sur un lit encadré de draperies luxueuses. Ouvertement provocatrice, elle flirte avec le spectateur alors qu'elle regarde depuis son boudoir. La peinture de Boucher est une sorte de quintessence des excès frivoles du milieu du XVIIIe siècle, et lui-même est l'un des représentants les plus cohérents du style rococo. Dans sa jeunesse, Boucher a été fortement influencé par le travail d'Antoine Watteau, dont il a gravé de nombreux tableaux, et dans les années 1740, il a obtenu le patronage de Madame de Pompadour.
Grâce à son influence, Boucher devient le premier peintre de Louis XV. Boucher était l'un des artistes décorateurs les plus en vogue à Paris, et ses peintures charmantes et coquettes de sujets mythologiques, représentant des nymphes et des déesses, étaient destinées à plaire aux goûts des représentants de la haute société parisienne dont il décorait les élégantes demeures. Incarnant idéalement les conventions des techniques picturales du siècle rococo, Boucher semble vouloir dire dans ses peintures que la nature apparaît « excessivement verte et mal éclairée ».
P belle cuisinière
1735 Paris, Musée du Cognac-Geu
Modiste
Pan et Syringa
Syringa (Syrynx), dans la mythologie grecque, une naïade qui vénérait Artémis et gardait donc strictement sa virginité. Pan, submergé par la passion amoureuse, poursuivit la nymphe Syringa. Syringa s'enfuit de Pan, qui la poursuivait, vers la rivière Ladon, où elle demanda l'aide de ses sœurs nymphes et de la divinité de la rivière. Par conséquent, elle fut transformée par la divinité de la rivière Ladon en roseau lorsque le dieu des champs et des pâturages Pan toucha Syringa. Pan a sculpté un seringa de berger dans des roseaux.
Syringa était un instrument de musique (pipe) chez les anciens Grecs, considéré comme appartenant au dieu arcadien Pan et en même temps aux bergers grecs. Syringa a été réalisé comme suit. Ils ont pris 7 (parfois 8 et 9) tiges de roseau creuses et les ont attachées les unes aux autres à l'aide de cire, et la longueur de chaque tube a été rendue différente afin qu'ils puissent avoir une gamme complète. Il existait également une pipe Syringa fabriquée à partir d'un seul tuyau : dans ce cas, elle était jouée de la même manière que l'on joue des flûtes modernes, à savoir à travers les trous latéraux. Syringa était l'ancêtre de l'orgue moderne.
Madame de Pompadour
(1756. Ancienne Pinacothèque, Munich)
François Boucher n'a jamais été un maître du portrait. Sur les près d’un millier de portraits qu’il a peints, il y en a à peine une douzaine et demie.
Le « Portrait de Madame de Pompadour » de l'Alte Pinakothek de Munich est l'un des plus célèbres. Avec un livre à la main, elle s'allonge sur le canapé de son boudoir, et il ne fait aucun doute que les détails de sa toilette, du type de dentelle aux perles de son poignet, et les détails intérieurs sont les plus exquis et les plus à la mode. cela aurait pu exister à ce moment historique. Et c'est Madame de Pompadour qui a mis à la mode de telles chaussures à talons hauts sans fond, comme sur la photo. À propos, après avoir rencontré à Versailles une composition aromatique suffocante de sueur, d'urine et de poussière, elle a introduit la coutume de se laver fréquemment - avant cela, les dames préféraient noyer l'odeur corporelle avec l'arôme perçant du parfum. Et Boucher parvient bien à transmettre la sensation de fraîcheur et de pureté émanant de la marquise (au sens propre et non figuré). On disait de Madame qu'«elle sent la rose». Incapable de transmettre le parfum, Boucher a décoré sa robe de roses et a jeté quelques roses sur le parquet aux pieds de Pompadour.
Boucher ne peut pas être qualifié de psychologue profond : ses portraits ne véhiculent aucune idée particulière et ne montrent pas de traces d'une vie intérieure intense. Il n'est pas enclin à exposer ses personnages, mais heureusement, il ne les flatte pas particulièrement. Et si cela flatte, ce n'est pas impoli : Boucher dépeint Madame de Pompadour comme confiante et calme, sans la moindre once de flirt bon marché avec le spectateur. Le livre dans sa main (les pages sont clairement effilochées à cause d'une lecture attentive) et la bibliothèque derrière elle ne font que témoigner de sa brillante éducation, que même ses méchants ne nieraient pas.
F fontaine d'amour
1748, année d'écriture de La Fontaine d'Amour, est exactement l'année où Boucher commence à travailler pour Madame de Pompadour.
Les principaux sujets de la peinture sont les pastorales, les fêtes galantes (dites « célébrations galantes »), les scènes d'amour légères et élégantes. Jusqu'à récemment, vos ancêtres décoraient les scènes de portraits d'apparat et de peintures d'apparat de héros de l'Antiquité. Mais vous, contemporain de la marquise de Pompadour, ne permettrez bien entendu pas un tel oubli. Vous savez ce qui est à la mode actuellement, n'est-ce pas ? Ce qui était auparavant considéré comme faible et indigne. Bergers et bergères ! D’ailleurs, qui s’intéresse aux salles d’apparat maintenant ? Tous les problèmes importants sont résolus dans les alcôves, les salons intimes et les boudoirs douillets. C'est dire à quel point les choses ont changé ! Pas étonnant qu'on dise que la mode est une femme inconstante et imprévisible.
Source : Internet.
François Boucher - un grand peintre et décorateur - biographie et peintures
mise à jour : 28 novembre 2017 par : site webUn véritable représentant du rococo français. Boucher était officiellement appelé « Premier artiste du roi », était directeur de l'Académie et avait le droit honoraire d'occuper un appartement au Louvre. Et peut-être que toute la France connaissait la faveur de la toute-puissante favorite du roi, Jeanne-Antoinette Poisson, la marquise de Pompadour.
Et c'était un vrai fils de son âge, qui savait tout faire lui-même : panneaux pour hôtels, peintures pour maisons et palais riches, cartons pour manufacture de tapisseries, décors de théâtre, illustrations de livres, dessins d'éventails, papiers peints, pendules, carrosses. , croquis de costumes, etc. d. Ses peintures de chevalet ressemblent à des panneaux ; les panneaux peuvent aussi ressembler à des œuvres indépendantes. Cependant, ses peintures sont les plus célèbres. S'intéressant à la peinture à l'huile dans sa jeunesse, l'artiste n'a jamais changé cette technique.
Et tout cela - festivités galantes, idylles pastorales, thèmes mythologiques, de genre, religieux, paysage - tout se joue comme une pastorale contemporaine, tout exprime une jouissance de la vie franchement sensuelle, l'héroïne blanche et rose règne en tout - la déesse Flore , et en fait habillé une aristocrate en tenue de berger, ressemblant partout à une Parisienne, et peu importe qu'elle soit Vénus ou une bergère. Partout, l'artiste a représenté un jeune mannequin aux yeux radieux, à l'insouciance apparemment décontractée mais séduisante, enveloppé dans des tissus délicats, entouré de fleurs, flottant dans l'érotisme. Les intrigues typiques sont « Le Triomphe de Vénus » ou « Les Toilettes de Vénus », « Vénus avec Cupidon » (avec Vulcain, avec Mars), « Le Bain de Diane », etc.
Déjà artiste célèbre, Boucher est devenu l'objet des attaques les plus sévères de la part du théoricien des idées esthétiques des Lumières, Diderot, qui voyait en l'artiste la création de tout ce contre quoi les Lumières luttaient. Cependant, il ne lui a pas refusé son professionnalisme. Et malgré ces critiques, les œuvres de Boucher jouissent d'une énorme popularité. Ils furent achetés par des rois et des empereurs, des ducs et des comtes, de riches bourgeois.
Boucher est issu d'une famille pauvre et n'a réussi que grâce à son propre travail. Il a reçu sa formation initiale dans l'atelier de François Lemoine. Ici, la capacité de « penser en couleurs » a été développée, de voir le design dans de grandes relations de couleurs. Plus tard, il étudie les techniques du dessin et de la gravure dans l'atelier de Jean François Kara-père. Grâce à lui, Boucher fit la connaissance de l'œuvre de Watteau, que le père Kara vénérait grandement ; et Boucher lui-même a toujours écrit dans le style rococo, comme Watteau. Toute sa vie, il a écrit « avidement » et a laissé un nombre incroyablement grand de peintures, tapisseries, dessins, gravures et autres œuvres. Et même lorsqu'il était déjà un artiste prospère, favorisé par les autorités, il travaillait dur et de manière fructueuse. Fasciné par le travail des maîtres anciens, Boucher consacre beaucoup d'énergie à la collection. Vers la fin de sa vie, il collectionne avec une passion particulière les dessins et gravures de Rembrandt.
Boucher jouissait d'une grande popularité en Russie. Il a même été invité à devenir professeur à l'Académie russe des arts de Saint-Pétersbourg, et Boucher a accepté l'invitation, mais la mort de l'artiste n'a pas permis à ces projets de se réaliser.
Plus vous regardez aujourd’hui les toiles de Boucher, ce tableau joyeux brillant de lumière, tremblant de nuances de couleurs délicates, et réalisez son incroyable talent, plus vous ressentez un art véritablement intégral et esthétiquement pur.
Aujourd'hui, les peintures de Boucher ornent les salles des musées les plus importants du monde. Ces œuvres transmettent un sentiment de plénitude de vie, enchantent par le cadeau joyeux de l'harmonie des couleurs, un savoir-faire libre et jubilatoire. Pas étonnant que Denis Diderot, qui le critiquait, rendant hommage à son talent, n'ait pu s'empêcher de dire : « Il a tellement d'imagination, d'effet, de magie et de légèreté !
Portrait de François Boucher
François Boucher est un éminent représentant de l'époque rococo et un maître des arts artistiques de la peinture française du début du XVIIIe siècle. L’œuvre de Boucher est extrêmement difficile à caractériser uniquement sous certaines nuances et sous certains angles, puisque son activité visuelle ne s’étend pas seulement aux peintures.
La créativité du peintre Boucher est extrêmement multiple : il se tourne vers des sujets allégoriques et mythologiques, représente les fêtes de village et la vie parisienne mondaine, peint des scènes de genre, des pastorales, des paysages et des portraits.
Boucher reçut de nombreux honneurs, dont le titre de peintre de la cour (1765). Il participe activement à la décoration des résidences du roi et de Madame de Pompadour et des hôtels particuliers de Paris. La favorite de Louis XV, la marquise de Pompadour, qu'il représente dans plusieurs portraits, était une de ses admiratrices. Au cours de ses dernières années, il fut directeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et « le premier peintre du roi ». Les meilleures œuvres de Boucher se caractérisent par un charme extraordinaire et une exécution parfaite.
François Boucher (1703-1770) était un représentant typique de l'art léger, festif et très décoratif du rococo. Sa peinture a été influencée par le travail d'Antoine Watteau, mais la légère tristesse évidente dans ses peintures était étrangère à Boucher. On peut dire que Watteau a donné l'esprit au Rococo et la chair à Boucher. Les toiles du maître sont pleines de sensualité, mais à la française : quand l'amour peut prendre la forme d'un beau jeu.
Dans le riche héritage pictural de François Boucher (1703-1770), qui a travaillé dans le style rococo sensuel et raffiné, l'un des tableaux les plus populaires est « Le Bain de Diane ». La plus belle déesse olympienne Diane est apparue sur la toile de l'artiste français comme une enchanteresse des plus charmantes, se reposant après ses plaisirs de chasse au bord d'un ruisseau. Boucher ne s'est pas efforcé de suivre exactement les mythes grecs sur la déesse en peignant son image. Il ne s’intéresse pas à la mythologie en tant que telle, il ne s’en sert que comme d’un prétexte commode pour représenter un corps féminin nu, jeune et beau. Sa Diane est une créature douce, habituée au bonheur et aux soins, elle ne vit que pour faire plaisir aux regards gourmands.
Toilettes de Vénus (1751) (108 x 85) (New York, métropolitaine)
«La Toilette de Vénus» a été commandée à l'artiste par sa mécène, Madame Pompadour, préférée de Louis XV, pour son château Bellevue près de Paris. Madame Pompadour a elle-même joué le rôle principal dans la pièce du même nom au théâtre de Versailles. Sur la toile, Vénus ressemble à une dame de cour du XVIIIe siècle : elle a un visage « en porcelaine » à l'expression langoureuse et enjouée, des gestes de charmant mince, une coiffure caractéristique aux boucles naturellement allongées, et toute elle, malgré les la splendeur de ses formes, on dirait une poupée. Les Amours n'habillent pas tant cette charmante coquette qu'ils jouent avec ses cheveux et ses bijoux. Des colombes, oiseaux sacrés, planent près de Vénus, l’une d’elles s’accroche à la poitrine de la déesse. Le corps de la belle est peint dans des couleurs rares et raffinées, mais quelque peu contre nature. Boucher l'a fait délibérément : il n'a pas cherché à imiter la nature, s'expliquant par le fait que la nature est aussi imparfaite.
Madame Bergeret (vers 1766) (143,5 x 105,4) (Washington, National Gallery)
"Portrait de Madame Bergeret" est l'un des plus intéressants de l'œuvre du maître. Il n'est pas établi exactement qui est représenté sur la toile. Peut-être s'agit-il de l'une des trois épouses de Bergeret de Grandcourt, collectionneur qui possédait la plus grande collection de peintures et de dessins de Boucher, ou de la marquise de Pompadour elle-même, puisque l'auteur a repris la pose de « Madame Bergeret » dans son portrait ultérieur, et l'artiste a toujours idéalisé les traits des modèles. La noble cliente pose pour le peintre dans une riche robe en soie légère et chatoyante ; le corsage est orné d'un bouquet de fleurs et d'un volumineux nœud bleu dont la couleur fait écho aux rubans du chapeau de paille à larges bords qu'elle tient à la main. L’œuvre est basée sur une combinaison de tons doux argent-olive, caractéristiques de la peinture du XVIIIe siècle.
Vénus demandant à Vulcain des armes pour Énée (1732) (252 x 175) (Paris, Louvre)
Enée, le héros du poème Énéide de Virgile, était destiné à débarquer en Italie et à fonder la ville de Rome. Dès son arrivée là-bas, il fut impliqué dans une série de guerres provoquées par Junon. Vénus, la mère d'Énée, lui est venue en aide à plusieurs reprises. Le tableau de Boucher (1732) représente une Vénus nue, déesse de la beauté et de l'amour, assise de manière coquette sur un nuage, entourée de cygnes et de colombes - ces oiseaux sont considérés comme ses attributs. Elle regarde son mari Vulcain et lui demande de confectionner une armure pour son fils.
Peintre de la cour du roi de France Louis XV, Boucher fut critiqué pour être trop indulgent et ne pas représenter quelque chose de plus sérieux que des putti, des nymphes et des femmes à moitié nues. Mais son style léger et gracieux, caractéristique de l'art rococo, était idéal pour les peintures, les bijoux, les tapisseries et les décorations des palais royaux.
Diane après le bain (1742) (56 x 73) (Paris, Louvre)
Boucher a représenté la vierge chasseuse de déesse Diane au bord d'un ruisseau clair. Elle jeta négligemment son carquois de flèches. Au premier plan, le spectateur voit son arc et les « fruits de son travail » : deux pigeons abattus et un lièvre. L'artiste n'avait pas l'intention de tromper qui que ce soit : il a représenté une fille complètement terrestre sous la forme d'une déesse. La mythologie n’est ici qu’une excuse décente pour se tourner vers la nature féminine nue. Malgré le fait que Diane a toujours été considérée comme une déesse sévère, habituée aux rigueurs d'une vie de chasse, Boucher ne peut se priver du plaisir de la peindre sur fond de draperies luxueuses. D'un geste odalisque, Diana doigte un collier de perles de ses doigts rose tendre et rebondis. Son corps est celui d'un favori choyé d'un duc. Il est difficile d’imaginer que cette gracieuse beauté puisse passer plusieurs heures à chasser le gibier. Il est encore plus difficile d'imaginer que cette Diane lance ses chiens sur le malheureux Actéon, qui a accidentellement vu sa nudité. Très probablement, il ouvrira les bras pour le rencontrer. Les poses décontractées de la déesse et de la nymphe, sa fidèle servante, témoignent du savoir-faire du peintre Boucher.
Évidemment, de par son tempérament, Boucher ne pouvait pas être un maître de la peinture historique (même s'il était officiellement considéré comme tel). Mais en même temps, on ne peut pas dire que l'artiste ait rencontré des difficultés en travaillant sur des compositions complexes à plusieurs composants. Boucher n’a jamais vu un détail paraître ridicule, « collé ». Le maître a toujours « opéré » avec une habileté étonnante, par exemple avec des draperies et des natures mortes. Un exemple de nature morte brillante est la « nature morte avec un arc, deux colombes et un lièvre », que le spectateur peut voir dans le tableau « Le bain de Diane ». Il s'intègre très habilement dans la composition de l'image, sans se perdre dans le contexte général, mais aussi sans éclipser l'intrigue principale. Faites également attention aux drapés bleus qui, d’une part, contrastent de manière exquise avec la peau délicate de Diane et, d’autre part, mettent en valeur les ailes de colombe et la fourrure de lièvre gris. Le fond vert humide de l’image peut également être qualifié de réussi. Cela rappelle au spectateur l'eau claire, les forêts de chênes ombragées, la fraîcheur du soir - en un mot, quelque chose qui adoucit les sens, évoque des souvenirs agréables et des pensées rêveuses. Dans ce contexte, les belles femmes nues semblent peut-être encore plus avantageuses que dans le boudoir le plus magnifique.
Rinaldo et Armida (1734) (135,5 x 170,5) (Paris, Louvre)
La naissance et le triomphe de Vénus (1740) (130 x 162) (Stockholm, Musée national)
"Le Triomphe de Vénus" (1740), c'est ce tableau que l'envoyé suédois Tessin acheta à Boucher pour 1600 livres.
Pastorale d'automne (1749) (260 x 199) (Londres, Wallace Collection)
"Pastorale d'Automne" est l'un des deux tableaux commandés par François Boucher au ministre des Finances de Louis XV. Le deuxième tableau s’intitule « Pastorale d’été ». Les intrigues des deux « pastorales » s'inspirent de la pantomime du prolifique dramaturge Charles Simon Favard (1710-1792). Dans ce cas, le tableau présente une scène touchante : un jeune berger donne du raisin à Lisette, le personnage principal de la pantomime. Boucher a tellement aimé cette intrigue qu'il a peint au moins deux autres tableaux basés sur celle-ci, et le berger et Lisette se sont finalement transformés en figurines en porcelaine. On ne sait pas si Boucher a lui-même réalisé les croquis de ces figurines. Il est fort possible que le ministre des Finances, qui avait ses propres relations avec la manufacture de porcelaine, ait confié cette commande à un autre artiste (les services de Boucher auraient pu paraître trop coûteux au ministre). Une chose est connue : le berger et Lisette sont devenus pendant de nombreuses années les héros préférés des « maîtres de la porcelaine » non seulement en France, mais dans toute l'Europe. Certes, le fait que le dramaturge Favart ait « composé » le berger, les raisins et Lisette fut très vite oublié.
Odalisque au repos (Portrait de Mademoiselle Louise O'Murphy) (1752) (59 × 73) (Munich, Alte Pinakothek)
Denis Diderot, le critique le plus véhément de Boucher, reprocha à plusieurs reprises au maître d'aimer trop « peindre les filles ». " Et comment sont ces filles ? " Diderot s'indigne. " De gracieuses représentantes du demi-monde. " En effet, Boucher pensait peu au côté « moral » de son œuvre. Et il a peint des femmes nues non seulement sous la forme de déesses et de nymphes (dans les peintures mythologiques, la nudité n'a pas l'air si provocante, car elle est déterminée par l'intrigue elle-même), mais a souvent représenté des odalisques complètement terrestres. Par exemple, dans ce tableau, il crée une image ouvertement sensuelle. Une jeune fille, presque adolescente, est allongée sur le canapé. Boucher entoure la jeune beauté du luxe le plus raffiné. Des oreillers moelleux, des tentures, un brûleur d'encens - tout cela crée une atmosphère de bonheur sensuel. Le spectateur, quant à lui, comprend immédiatement que l'héroïne de la toile s'est retrouvée assez récemment dans un tel environnement et n'a pas encore eu le temps de s'y habituer. Et cette « fraîcheur » était censée donner encore plus de charme à la jeune fille aux yeux des « aristocrates dépravés » du XVIIIe siècle. On suppose que Louise O'Murphy, la fille d'un cordonnier irlandais, a posé pour ce tableau de Boucher. À l'âge de quatorze ans, la jeune fille a commencé à travailler comme modèle et a rapidement attiré l'attention de Louis XV, qui lui a fait une de ses maîtresses. Elle ne resta pas indifférente aux charmes de Louise et du célèbre Casanova, qui l'appelaient « un lys blanc comme neige, la plus belle de toutes les créatures terrestres ». En conclusion, notons que le tableau « Fille couchée » fut un énorme succès - Boucher dut même en peindre plusieurs exemplaires.
Dans presque toutes ses œuvres consacrées à l'amour et aux plaisirs sensuels, Boucher réduit au minimum l'élément narratif, laissant le spectateur profiter simplement de la nudité rose des nymphes et des visages de porcelaine des bergères. Mais le tableau « Mars et Vénus capturés par Vulcain » doit être considéré comme une exception à cette règle. Cela illustre tout un mythe. Comme le lecteur s'en souvient, Vénus était l'épouse de Vulcain, un dieu boiteux, mais en même temps très habile dans le métier de forgeron. La déesse de l'amour, cependant, était beaucoup moins intéressée par ces capacités exceptionnelles de son mari que par la beauté courageuse de Mars, le dieu de la guerre. Et un beau jour, elle devint sa maîtresse. Frustré et offensé, Vulcain a tissé un filet mince mais très solide dans lequel les amants malchanceux ont été pris. Pour sa peinture, Boucher choisit le moment le plus dramatique de cette histoire. Vulcain jette son filet magique sur les amoureux. Vénus, ne se doutant encore de rien, somnole doucement dans les bras du dieu de la guerre. Et lui, à peine réveillé, regarde avec horreur le formidable époux de Vénus. Le désespoir est écrit sur le visage de Mars - après tout, il n'est pas armé et ne peut donc pas repousser dignement une personne jalouse. L'artiste a représenté son bouclier, son casque et sa lance au premier plan de l'image - afin que le spectateur comprenne que Mars ne pourrait pas atteindre son «équipement», même s'il le voulait vraiment. Les putti effrayés tentent soit de couvrir les amants, soit de se cacher de Vulcain, et le brûle-encens placé au pied du lit continue de dégager un arôme doux, sensuel et - à la lumière de la nouvelle tournure des événements - inapproprié.
Portrait de la marquise de Pompadour (1759) (91 × 68) (Londres, Wallace Collection)
Le portrait n'était pas le point fort de Boucher. Tout au long de sa vie, il a peint une douzaine de portraits. La moitié d'entre elles représentent Madame Pompadour, ce qui témoigne sans doute de l'amitié étroite qui unissait l'artiste et la maîtresse du roi. Le tableau que vous voyez devant vous est le dernier portrait de Madame Pompadour. Ce tableau fut autrefois accroché à Versailles et, après la mort de la favorite royale, il passa à son frère. Malgré le fait que Madame Pompadour aimait beaucoup Boucher et le considérait comme un peintre brillant, elle ne se faisait aucune illusion sur sa capacité à peindre des portraits. Elle disait à propos d’un de ses portraits réalisé par Boucher : « Je suis belle ici, mais pas du tout comme moi. »
Il faut cependant noter l'originalité de la manière dont ces portraits ont été peints. D'une part, ils ne sont pas dénués des traits d'un portrait d'apparat traditionnel, d'autre part, ils sont colorés par l'intimité, la relation personnelle de l'artiste au modèle. Au moment où ce portrait est peint, Madame Pompadour n’est plus la maîtresse du roi, même si elle conserve tous les privilèges d’une « favorite officielle ». N'étant « de jure » qu'une marquise, elle reçut « de facto » les honneurs qui conviennent à une duchesse. Cependant, d'après le portrait de 1759, ce qui nous regarde n'est pas plutôt une personne puissante et ambitieuse, mais une femme intelligente et instruite avec un goût artistique subtil. C'est ainsi que Boucher lui-même se souvenait d'elle, et c'est ainsi que de nombreux contemporains parlaient d'elle, notant que Madame de Pompadour n'avait ni l'arrogance ni l'excentricité, habituellement caractéristiques des « oiseaux d'un tel vol ». Au contraire, tout le monde parlait d'une seule voix de la courtoisie et du tact de la plus célèbre maîtresse du roi.
Ermitage : Boucher, François - Paysage aux environs de Beauvais
Moulin à Charenton (années 1750) (72 x 92) (Orléans, Musée des Beaux-Arts)
Les paysages de Boucher, comme ses œuvres d'autres genres, sont passés de mode à la fin du XVIIIe siècle. Les images de paysages idylliques ont été remplacées par des peintures romantiques, censées donner au spectateur une idée de la grandeur de la nature. Pendant de nombreuses années, les moulins délabrés et les étangs tranquilles, que l'artiste lui-même et ses clients aimaient tant, ont été oubliés. Ces paysages ne peuvent vraiment pas être considérés comme l’apogée de l’œuvre de Boucher, et pourtant il est difficile de ne pas convenir qu’ils ont été peints par la main d’un grand maître. Il ne faut pas y chercher un reflet fidèle de la nature, mais leur charme ne réside pas dans la véracité. Le héros de notre numéro a écrit la plupart de ses peintures de paysages sur la base d'impressions de voyages à la campagne. Il travaille les croquis qu'il rapporte de ces voyages chez lui, dans son atelier parisien. Certains d’entre eux sont devenus des matériaux pour de futures tapisseries, et d’autres ont été « transformés » en petits paysages. En ce qui concerne les détails du paysage, Boucher se montre assez accommodant : à la demande du client, il peut inclure dans la composition du tableau une cabane de village, un vieux pont à bosse, une figurine de bergère ou de lavandière. Un exemple typique du travail de Boucher dans le genre de « l'idylle paysagère » est présenté ci-dessus.
Esquisse de "L'Eau" (1748)
François Boucher fut l'un des meilleurs dessinateurs du XVIIIe siècle. Il remarquait les moindres détails naturalistes avec une précision exceptionnelle. Les historiens de l'art estiment qu'au cours de sa vie, Boucher a créé au moins dix mille dessins dans diverses techniques. Beaucoup d’entre eux sont des croquis de ses futurs tableaux. Par exemple, le croquis présenté ci-dessus a ensuite été utilisé lors du travail sur le tableau « Eau » du cycle « Quatre éléments », qui décorait les portes de l'un des châteaux royaux. En plus des croquis, Boucher a également créé des dessins entièrement terminés, dont chacun peut être considéré comme une œuvre d'art indépendante. Dans ces cas, le maître se tournait le plus souvent vers la nature féminine - à la fois habillée et nue. Son dessin « Nu sur un lit » respire la sérénité et le charme. Habituellement, l'artiste dessinait à la craie noire, rouge et blanche sur du papier jaune, mais il utilisait parfois des pastels et de l'encre de couleur. Déjà de son vivant, la réputation de Boucher en tant que dessinateur était très élevée, comme en témoigne le fait que ses dessins furent immédiatement arrachés par les collectionneurs d'art. Certaines d’entre elles étaient plus chères que les peintures « à part entière » d’autres peintres.
Toilettes de Vénus (après 1743) (101 x 86,7) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)
Comme déjà mentionné, Boucher a eu recours à des sujets mythologiques principalement pour pouvoir représenter de belles femmes nues entourées des détails les plus inutiles. De plus, ces sujets se prêtaient parfaitement à la porcelaine, aux panneaux décoratifs et aux tapisseries. Boucher évitait généralement les scènes dramatiques, préférant choisir pour ses peintures des « sujets sans intrigue », ce qui lui permettait d'accorder la plus grande attention aux poses gracieuses des nymphes et des déesses.
Les meilleures œuvres mythologiques de Boucher sont considérées comme les toiles jumelées "Lever du soleil", 1753 et "Coucher du soleil", ainsi que "Le Triomphe de Vénus" et "Le Bain de Diane". Toutes ces œuvres manquent totalement d’élément narratif. Mais presque partout, il y a de beaux corps féminins en abondance (Boucher aimait surtout peindre, bien sûr, la déesse de l'amour, Vénus). Très caractéristique de l’œuvre du maître est le médaillon ovale « Toilettes de Vénus », où la déesse est représentée dans toute la splendeur de sa nudité. Notons que Boucher n’a jamais représenté aussi ouvertement les corps masculins. Dans "Vénus et Mars capturés par Vulcain", nous ne voyons que les têtes et les épaules de Vulcain et de Mars. Mais l'artiste met Vénus au premier plan, donnant au spectateur l'occasion de profiter de la contemplation de ses magnifiques formes. Il est intéressant de noter que Jupiter (dans les scènes où il séduit l'une ou l'autre de ses « maîtresses mythologiques ») n'apparaît jamais devant le spectateur sous la forme d'un homme. Avec Léda, il est un cygne, avec Danaé, il est une douche dorée, avec Callisto, il est Diane.
Lever du soleil (1748) (321 × 270) (Londres, Wallace Collection)
Toilette (1742) (52,5 x 66,5) (Madrid, Musée Thyssen-Bornemisza) Femme ajustant sa jarretière (1742)
Tous les clients n'aimaient pas le « menu signature » de Boucher, composé de scènes pastorales, mythologiques et boudoir. Oui, il faut le penser, le maître lui-même se lassait parfois des nymphes et des bergères. Et puis sous son pinceau sont sorties de charmantes scènes de genre - avec des femmes ressemblant à des poupées habillées à la dernière mode, des enfants bien élevés et des détails élégants de la vie quotidienne. Le tableau de genre le plus célèbre de Boucher est peut-être « Café du matin », 1739. Apparemment, sa femme et sa sœur, ainsi que ses deux enfants, ont posé pour le maître. Le soleil qui traverse la fenêtre peint l’intérieur exquis de la pièce de couleurs délicates. Toutes les personnes présentes ont l'air contentes les unes des autres, la cafetière fume dans les mains du serviteur, les enfants sont des anges. De telles scènes de genre étaient très appréciées des clients. Par exemple, la princesse héritière suédoise Louise Ulrika a commandé à l'artiste quatre tableaux (selon l'heure de la journée - matin, après-midi, soir et nuit) "avec des personnages habillés à la mode et de beaux visages". Le comte Tessin était également un grand amateur des peintures de genre de Boucher. Pour lui, l'artiste a peint ci-dessous « Femme ajustant sa jarretière » (1742). Remarquez à quel point ces tableaux sont très différents des scènes de genre de Chardin. Chaque détail - jusqu'au talon de la chaussure de la belle, jusqu'au jouet de l'enfant - parle ici de « l'art de vivre ». Et il est évident que Boucher comprend cet « art » de manière complètement différente de Chardin.
Café du matin (1739) (81,5 × 61,5) (Paris, Louvre) Café du matin (1739)
Peut-être n’ont-ils jamais recherché autant le « plaisir » et la sophistication qu’à la cour du roi Louis XV. L'art de vivre facilement, de « cueillir les fleurs du plaisir », commence à être vénéré comme un véritable art. Parfois, il semble qu’il y ait déjà dans l’air le pressentiment d’un orage, d’une catastrophe imminente. Et que c'est précisément cette prémonition qui a déterminé le désir de s'installer avec toute la grâce et le confort possibles, de s'entourer de bergères aux joues roses, de poupées de porcelaine et de paysages idylliques. C’était précisément cela qui exigeait que la vie ressemble au théâtre. Et Boucher nourrit habilement les illusions de ses clients. Ses peintures plongent le spectateur dans un monde de rêves charmants et de fiction charmante. Notez que le maître ne nous dit jamais : « Regardez comme cela est vrai. » Il dit : "Regarde comme c'est mignon." Il ne nous éduque pas, ne nous inculque pas le désir d'objectifs élevés, mais regrette seulement que la vie soit si courte et si, par essence, triste. Et, le regrettant, il essaie d'en adoucir les coins, de draper sa laideur, de la rendre au moins un peu plus agréable. Tromperie? Laisser être. Mais une personne n’a pas toujours besoin de la vérité. Parfois, il a aussi besoin de consolation.
L’« art de la porcelaine » français doit sans aucun doute beaucoup à Boucher et, bien sûr, à Madame Pompadour. À partir des années 1740, la maîtresse du roi s'intéresse vivement à la manufacture de porcelaine de Vincennes. Son intérêt fut si persistant qu'en 1751 Louis XV lui offrit cette petite usine. Et madame, retroussant ses manches, se mit au travail. A son initiative, la production de porcelaine se « déplace » progressivement vers Sèvres (le déménagement a lieu en 1753-56). Parallèlement, la marquise de Pompadour invite François Boucher à développer de nouveaux projets pour sa manufacture.
Au cours d'une décennie (de 1756 à 1766), l'artiste réalise d'innombrables croquis, selon lesquels des figurines et des décors sont fabriqués à l'usine. Parmi les œuvres les plus intéressantes basées sur ses dessins figure « La Science de l’Amour », 1763 (en haut à droite). Cette composition a été créée d’après le croquis du maître non par n’importe qui, mais par Etienne Maurice Falconet. La série de figurines « Enfants », réalisées en porcelaine blanche, est également remarquable. De charmants enfants, sculptés d’après les dessins de l’artiste, ne font que cueillir des fleurs et chanter des chansons. Quant aux services peints d’après les dessins de Boucher, impossible d’ignorer l’ensemble de vases « Amoureux au jardin » (ci-dessous). Ces vases se distinguent par une grande grâce, même si pour un spectateur moderne, ils peuvent sembler quelque peu « surchargés » de détails.
Le travail de l’artiste a eu une grande influence sur le développement de la céramique décorative dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Non seulement les maîtres de Sèvres, mais aussi les maîtres d’autres pays européens ont travaillé à partir des dessins de Butet. Dans la célèbre manufacture de porcelaine de Meissen, près de Dresde, le croquis de Boucher a par exemple été utilisé pour créer la « Scène de jardin » (en haut à gauche). Après la mort de Madame Pompadour en 1764, la coopération de Boucher avec la manufacture de Sèvres échoue peu à peu, puisque la nouvelle favorite du roi, Madame Dubarry, commence à gérer les affaires ici.
Nid (1740) (98 x 146) (Paris, Louvre) Bergère
Il est désormais difficile d’imaginer à quel point les scènes pastorales étaient populaires dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Certes, après la révolution, ils ont commencé à les critiquer avec la même passion avec laquelle ils les avaient auparavant vantés et achetés. À un moment donné, les bergères sont devenues, aux yeux des radicaux, presque les principaux symboles de « l’ancien régime » détesté. Cependant, à l'époque de Boucher, des pastorales du maître, comme « La Bergère » ou « Le Nid » (ci-dessus), étaient reproduites à la fois sous forme de tapisseries et de dessins de services en porcelaine. Et, bien sûr, de nombreuses gravures en ont été réalisées, car non seulement les aristocrates, mais aussi les personnes de rang assez simple voulaient posséder des articles ménagers élégants.
De jolies bergères habillées avec goût (ou légèrement vêtues) pouvaient décorer non seulement les appartements royaux, mais aussi la maison d'une pauvre couturière. Bien entendu, ce dernier devait se contenter non pas du chef-d’œuvre du maître, mais d’une gravure inférieure. La source de « l'inspiration pastorale » était le Théâtre Boucher, où des pièces pastorales avec musique et poésie étaient souvent jouées aux XVIIe et XVIIIe siècles. Les premières pièces de ce genre sont apparues au XVIe siècle, en Italie. De là, ils ont émigré vers la France. Ici, les pastorales prenaient le plus souvent la forme de ballet ou de pantomime. On sait que Boucher a conçu des performances similaires plus d'une fois, et nombre de leurs intrigues ont ensuite constitué la base de ses scènes de berger idylliques.
Château de Versailles : François Boucher -- Pastorale
Odalisque (1743) (53 x 65) (Reims, Musée d'Art) Odalisque (1743)
Cette œuvre peut être qualifiée de « prototype » de « Reclining Girl », créée près d’une décennie plus tard. Une jeune beauté est allongée langoureusement sur le canapé. Le rêve est inscrit sur son visage : il est tourné vers le spectateur, mais les yeux de la femme sont dirigés quelque part au loin. Le titre et les détails orientaux spécifiques devraient laisser entendre que l'action se déroule dans le harem d'un sultan (bien que dans un harem fortement européanisé).
Modiste (1746) (64 × 53) (Stockholm, Musée national)
Une charmante scène de genre, écrite comme spécifiquement pour un boudoir ou un bureau de dame. Une modiste est assise par terre et apporte à son client une boîte d'échantillons de rubans parmi lesquels choisir. La cliente choisit probablement les rubans depuis un certain temps, car le spectateur peut clairement voir la fatigue soumise sur le visage de la jeune couturière.
Moulin (1751) (66 x 84) (Paris, Louvre)
Un des paysages emblématiques de Boucher. Il y a ici tout ce que le client le plus exigeant peut souhaiter. Un vieux moulin, des haies branlantes, un pont, des pigeons, des enfants mignons. Même la blanchisseuse qui lave le linge dans la pose gracieuse d'une dame de la cour faisant une profonde révérence.
Le viol d'Europe (1732-1734) (231 x 274) (Londres, Wallace Collection)
Le décorateur, graveur et peintre français de renommée mondiale François Boucher est né dans la capitale française en septembre 1703. Il a suivi les traces de son père, qui gagnait sa vie en dessinant des motifs de broderie et de gravures, et dès son plus jeune âge, il l'a aidé dans l'atelier, faisant preuve de talent dans les beaux-arts. Son père, s'en apercevant, l'envoya étudier chez le célèbre graveur Jean Cars.
Le début d'une vie indépendante a permis à François de gagner de l'argent grâce à son propre travail et d'établir des liens utiles avec des clients de haut rang de son professeur.
Démarrage du transporteur
En 1720, Boucher poursuit ses études auprès du célèbre maître monumentaliste Lemoine et, à partir de 1722, il apprend l'art de concevoir des gravures et des livres avec l'aide des instructions de Jean-François Carat l'Ancien.
Le premier travail sérieux du peintre eut lieu en 1722, lorsqu'il fut chargé de créer des illustrations pour une nouvelle édition de l'ouvrage de Gabriel Daniel « Histoire de France ». L’année 1723 vaut à l’artiste une récompense : le tableau de François Boucher « Méchant-mérodach, fils et héritier de Nabuchodonosor, libérant le roi Joachim des chaînes » révèle au grand public le talent du peintre.
Vacances italiennes et retour triomphal
En 1727, Boucher se rend en Italie afin d'élargir ses connaissances et de mieux voir les œuvres de maîtres célèbres dans leur métier.
Les œuvres de Giovanni Lanfranco et Pietro da Cortona ont eu une grande influence sur le travail ultérieur de l’artiste. François Boucher, dont les peintures sont connues de nombreux amateurs de rococo, a synthétisé dans ses œuvres certaines traditions et techniques de peinture, choisissant le style le plus adapté à son personnage.
De retour d'Italie en 1731, l'artiste devient candidat à l'Académie royale et après 3 ans, grâce au tableau « Rinaldo et Armida », il est finalement approuvé comme membre de l'académie. Durant la même période, Boucher travaille à la manufacture de Beauvais.
Les années 30 et 40 du XVIIIe siècle apportent au peintre de nombreuses commandes officielles pour peindre des appartements à Versailles, notamment les appartements du Dauphin, les petits appartements et la chambre de la reine.
Il a également peint les salles de la Bibliothèque royale. Utilisant les faveurs de Louis XV et de sa favorite, la marquise de Pompadour, Boucher reçut commande pour décorer leurs résidences, ainsi que les hôtels particuliers de la noblesse proches de la cour.
Qu’a écrit François Boucher ?
Les scènes allégoriques et mythologiques sont l'un des thèmes favoris de François Boucher. Ils se distinguent par la grâce, le divertissement piquant et un certain entrain qui met l'accent sur l'idée principale de la toile. Aussi, bien souvent, le peintre choisit pour ses toiles des scènes de la vie rurale et, au contraire, de la vie urbaine : par exemple, les foires, les fêtes folkloriques, la vie mondaine des riches Parisiens.
Le désir de perfection et l'effort que Boucher met dans ses œuvres lui permettent de devenir chef de la manufacture des Gobelins en 1755. Il a travaillé de manière très fructueuse : de nombreuses gravures, décors de pièces de théâtre et d'opéra, peintures d'éventails, miniatures, peintures ornementales sur porcelaine, peintures pour les manufactures de treillis de la famille royale et, bien sûr, des illustrations célèbres de livres de Boccace, Molière et Ovide ont apporté des œuvres méritées. renommée à François Boucher. Les tableaux de l'artiste sont conservés dans de nombreux musées à travers le monde : le Louvre, le musée du Petit Palais, le musée des Beaux-Arts de Lyon, l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, la National London Gallery, le musée du Prado à Madrid et bien d'autres.
Le style particulier de l’artiste, caractérisé par sa sophistication, sa prétention et son désir d’échapper à la réalité, attire invariablement l’attention des visiteurs des musées et des galeries.
Connaissant très bien les mœurs de la noblesse parisienne, Boucher tenta néanmoins de cacher ses véritables désirs et vices derrière les visages des bergères rurales ordinaires.
François Boucher : peintures
En 1765, Boucher devient « le premier peintre du roi » et est nommé directeur de la peinture et de la sculpture.
C'est peut-être le plus haut sommet d'une carrière que les artistes de l'époque rêvaient de conquérir.
L'année 1770 confère à l'artiste un autre insigne: membre honoraire de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg.
Les tableaux de François Boucher dont les titres révèlent pleinement leur contenu captivent par la pureté de leur exécution et la manière particulière qui s'est développée dans les premières années du travail de l'artiste.
Parmi les œuvres les plus célèbres du peintre, il convient de souligner des œuvres telles que « Pygmalion et Galatée », « Lettre d'amour », « Jupiter et Callisto », « L'Enlèvement d'Europe », « Le Triomphe de Vénus », « Hercule et Omphale ».
Le grand créateur décède en mai 1770 à l'âge de 67 ans. Le souvenir de François Boucher, dont les gravures et miniatures ont inspiré plus d'une génération d'artistes en herbe, ont marqué l'histoire des beaux-arts du XVIIIe siècle, vivra longtemps dans le cœur des connaisseurs de son talent.